subjective.movie.reviews:.

Tabu

2012-02-15T00:49:00.000Z

A noite de 14 de Fevereiro de 2012 ficará na memória de Miguel Gomes, realizador de Tabu, como a da estreia com mais pompa e circunstância que algum dos seus filmes já teve. Aliás, a estreia de Tabu na Berlinale 2012 deve ter sido a estreia mais pomposa que um filme português jamais teve: passadeira vermelha, emissão em directo na televisão, segurança reforçada e fãs à espera (se bem que os fãs estavam à espera da Meryl Streep para outra sessão, mas isso não interessa nada). É uma pena, portanto, que o filme exibido não estivesse à altura do espetáculo montado para ela.

Honestamente já não sei o que dizer mais sobre o prototípico cinema português. Já por várias vezes referi o quanto me custa ver que, filme atrás de filme, a nossa escola de cinema continua a repetir a mesma fórmula, caracterizada pelo formalismo excessivo (a roçar o grotesco), o pedantismo e um desinteresse em cativar o público. Em Tabu Miguel Gomes cai nos mesmos erros, logo ele cujo anterior filme teve bastante sucesso precisamente por se afastar desse molde.

Partilhando o título com um filme dos anos 30, Tabu começa com um prólogo que parece ter sido filmado nessa década. Neste se conta a história de um intrépido explorador que, de coração desfeito, se deixa morrer em plena África e a, partir dessa lenda, partimos para a história propriamente dita.

Dividido em duas partes (Paraíso Perdido e Paraíso, tal como o seu homónimo) Tabu começa por nos apresentar a Aurora (Laura Soveral/Ana Moreira) enquanto idosa já meio senil, tal como a sua empregada Santa (Isabel Cardoso, o melhor que o filme tem para oferecer) e a sua vizinha Pilar (Teresa Madruga). No leito de morte Aurora pede a Pilar para contactar um homem, Gian Luca Ventura (Henrique Espírito Santo/Carloto Cotta). Ventura e Aurora conhecem-se dos tempos em que ambos tinham fazendas em na África colonial portuguesa e por lá tiveram uma relação intensa que entretanto se diluiu até à inexistência. Ventura, já velho e solitário, acaba por nos contar o porquê recordando os dias tórridos que viveu com aquela mulher.

Começa aqui os dos meus grandes pontos de discórdia com este filme. A segunda parte do filme é integralmente narrada por Ventura, em prejuízo dos diálogos entre os personagens. Não, não é um filme mudo porque se ouvem efeitos sonoros - tanto o som de fundo como a respiração dos actores marcam presença e eles conversam entre si, nós é que não lhes ouvimos a voz.

Juntem a isso uma rigidez formal excessiva, que transforma as interpretações em marionetas (e que já vinha da primeira metade do filme) e uma fotografia a preto e branco que não me pareceu ter grande qualidade e ainda menos interesse narrativo e começam a perceber o que quero dizer: Tabu é um exercício de estilo feito por um autor para si mesmo e que - com muita pena minha - acaba por ser um desperdício de tempo, dinheiro e talento.

Bem sei que não represento a crítica cinematográfica mais típica e não é por acaso que resumo o meu blog como "crítica de cinema para quem não paciência para críticos de cinema". Admito até que talvez seja eu a estar errado, já que aparentemente a recepção a este filme noutras publicações tem sido positiva, mas enquanto espectador de cinema não posso recomendar este filme a ninguém.

Durante a primeira parte do filme Aurora diz algo do género: "Por vezes dão-nos presentes de que não gostamos. Não é por mal, apenas não nos conhecem o gosto". Tabu é o mais recente presente de Miguel Gomes aos espectadores. É provável que a maioria não goste mas não é por mal, apenas não lhes conhece o gosto.

Ang Babae sa Septic Tank (The Woman in the Septic Tank)

2012-02-14T23:18:00.000Z

Ang Babae sa Septic Tank:

O segundo filme filipino que vi em dois dias consecutivos tem mais em comum com o primeiro do que o país de origem. Dito resumidamente, Ang Babae sa Septic Tank goza com o grupo de filmes a que Captive pertence.

Enquanto que a obra de Brillante Mendoza faz questão de mostrar a miséria e a violência na vida quotidiana num país do Sudeste Asiático, o filme de Marlon Rivera dá a volta a esse cliché que Mendoza e tantos outros realizadores independentes daquela zona do globo vão alimentando e conta-nos a história da produção de Walang-Wala, um filme fictício realizado pelo jovem Rainier (Kean Cipriano) e produzido pelo seu amigo Bingbong (JM de Guzman).

Tal como no caso dos filmes que tenta satirizar, Walang-Wala é um filme que segue a fórmula de sucesso da nova onda de filmes asiáticos: mostra pobreza e violência; é duro, sujo, cheio de takes longos sem diálogo e - o mais importante de tudo - tem um tema que garante polémica. "É disso que os festivais gostam", diz Bingbong, "o filme vai ser um sucesso!".

À medida que a história vai avançando vamos vendo cenas em que os dois cineastas e a sua production assistant (que, enquanto caricatura perfeita que é, está permanentemente calada e é diligente em buscar cafés) tentam tornar Walang-Wala um isco perfeito para o circuito de festivais e a cada nova sugestão temos intercalado o mesmo conjunto de três cenas, com as devidas alterações: a vítima deve ser rapaz ou rapariga? o abusador caucasiano ou japonês? a mãe da criança deve ser mais ou menos mamalhuda? que tipo de filme deve ser?

Não pensem que com tanta repetição das mesmas cenas o filme se torna chato. A única versão aborrecida é aquela que mais se aproxima mais dos filmes parodiados. Essa, devo avisar, é mesmo lenta mas é logo a primeira, pelo que se podem preparar sabendo que depois da tempestade vem a bonança.

Todo o restante filme é delirantemente divertido e acerta em cheio nos clichés que quer desvendar. Destaco especialmente a cena do casting de Eugene Domingo, uma (verdadeira) estrela de telenovelas nas Filipinas que apesar de ter apenas três tipos de representação ("elevator", "police alert" e "no-acting acting") quer entrar no filme porque "vocês os indie é que estão a dar".

Marlon Rivera tem 46 anos, este é o seu primeiro filme e filmou-o num período de 10 dias com um orçamento de € 60.000. Ang Babae sa Septic Tank tornou-se o maior êxito de bilheteira de sempre no seu país e - ironicamente - puxou o seu realizador para o mesmo circuito de festivais que os seus protagonistas tanto almejam. É um sucesso inteiramente merecido porque este não é apenas o meu filme preferido da Berlinale (até agora) como a maior e melhor surpresa cinematográfica que tive em 2012.

Death Row

2012-02-14T00:58:00.000Z

Antes de mais um momento fan-boy. Quem diria que eu, pequeno e amador crítico de cinema, iria alguma vez estar presente na estreia mundial do mais recente filme do meu realizador favorito? E, ainda para mais, ter a oportunidade de falar com ele após a exibição? Adoro a Berlinale!
E agora passemos à SMR propriamente dita.

Death Row:

Antes de dizer seja o que for sobre o filme quero fazer um aviso à navegação: sou um veemente opositor da pena de morte e já tive contacto profissional com alguns casos deste tipo. Por esse motivo, é normal que a minha interpretação deste filme seja especialmente afectada pela minha experiência.

Não quer isto dizer, porém, que seja a favor dos criminosos. Como o realizador, Werner Herzog, diz a um dos seus entrevistados "o facto de ser contra a pena de morte não quer dizer que tenha de simpatizar consigo". Herzog é contra a pena de morte mas este não é um filme militante, optando antes por dar voz aos condenados e não às opiniões do cineasta.

Apresentado como um conjunto de 4 episódios completamente autónomos, Death Row aborda as histórias de 4 homens e uma mulher, tendo como característica em comum o facto de estarem no corredor da morte de um dos 34 estados dos EUA que ainda têm a pena capital como uma pena possivel para certos crimes. Três dos entrevistados confessam os seus crimes, dois lutam até hoje por ver provada a sua inocência, nenhum quer morrer às mãos do Estado.

Dos quatro episódios aquele que mais me tocou foi o de Hank Skinner, o homem que podem ver na foto acima e um dos dois que continuam a clamar a sua inocência. Este homem foi condenado à morte pelo homicídio da sua namorada e dos dois filhos desta, esteve a 20 minutos da hora da sua execução e conseguiu uma extensão dos seus recursos por lhe ter sido recusada a entrega de provas que poderiam estabelecer a sua inocência e qual é a sua atitude perante a vida? Diz apenas que ou passa a vida a chorar ou a rir e já chorou demais. A sua personalidade, a sua crença na inocência e numa eventual libertação, bem como a sua vitória perante o Supremo Tribunal dos Estados Unidos da América lançarão, de certeza, muitos conflitos morais na mente dos espectadores pró-pena de morte.

Os restantes três episódios (James Barnes, George Rivas & Joseph Garcia e Linda Carty) apresentam histórias mais difíceis de abraçar: Barnes confessa os seus hediondos crimes, Rivas & Garcia pensam que a sua condenação é exagerada e Linda Carty clama inocência mas a sua história é mais macabra. Herzog consegue ainda assim mostrar um lado mais humano daquelas pessoas, dirigindo com mestria as perguntas (espontâneas) que foi fazendo naquelas conversas de 50 minutos que foi autorizado a ter com os cinco condenados.

Se há mérito neste filme é esse. O formato prejudica-o um pouco já que parece ser uma espécie de material-bónus para a edição em DVD do seu anterior filme sobre o tema, Into the Abyss (de 2011) mas ao colocar estas pessoas perante as câmaras, bem como aqueles que os acusam e os defendem, Herzog consegue manter-se numa linha da qual seria muito fácil resvalar. A opinião dos espectadores sobre o assunto não vai mudar depois de ver Death Row, mas todos nós ficaremos com uma melhor impressão do que passa pela cabeça de quem sabe a data em que vai morrer.

Ao longo do filme Herzog pergunta frequentemente com que sonham dos condenados e esses sonhos passam-se, infalivelmente, fora das prisões que os detêm. Porquê?, acaba por perguntar a Joseph Garcia. A resposta é tocante de tão simples que é: sonham com o mundo lá fora porque acordados vivem um pesadelo constante, um pesadelo do qual não sairão vivos.

Captive

2012-02-13T22:53:00.000Z

Captive:

O realizador filipino Brillante Mendoza sobre do mesmo fado que o jogador Lucho González. Ambos têm nomes que dão para o trocadilho fácil e enquanto que os jornalistas desportivos portugueses se fartam de dizer que o Futebol Clube do Porto tem um jogador de "lucho" também a crítica cinematográfica várias vezes descreve o trabalho deste filipino como brilhante.

Captive é o seu primeiro filme após a dupla de sucesso Lola/Kinatay e o primeiro em que pode contar com uma estrela internacional para chamar ainda mais atenção para o seu trabalho. Não que necessite disso, já que os seus filmes anteriores contavam apenas com actores filipinos e não deixaram de ser brilhantes. (see what I did there?)

Mal as luzes se apagam e o filme começa somos transportados de volta a 2001 e até um resort turístico em Palawan, no Sul das Filipinas onde testemunhamos o rapto de cerca de três dezenas de pessoas que estavam no sítio errado à hora errada. Tal como eles, de início não sabemos o porquê daquela acção e damos por nós tão perturbados como decerto aquelas pessoas estariam. Felizmente, porém, as explicações são dadas e não auguram uma saída rápida para aquele problema: os raptores fazem parte da milícia islâmica Abu Sayyaf, que reclama a ilha de Mindanao como um estado islâmico e ninguém será libertado sem o pagamento de um resgate.

O que ninguém sabe naquela altura é que ali começam para alguns dos raptados os mais duros 377 dias que jamais tiveram de enfrentar. Na tentativa de negociar resgates mais altos os terroristas foram libertando alguns dos seus reféns mas mantiveram os estrangeiros (mais valiosos) e em particular Thérèse Bourgoine (Isabelle Huppert), uma missionária/cooperante francesa.

Em situações de rapto está comprovado que existe um fenómeno psicológico chamado de Síndrome de Estocolmo. Dizem os especialistas que esse síndrome se manifesta através da necessidade que as vítimas têm de se identificar com os raptores, muitas vezes apoiando honestamente a sua causa ou - em casos mais extremos - estabelecendo relações emocionais com os mesmos. É um fenómeno atraente para o mundo do cinema, pelas possibilidades narrativas que trás, mas que felizmente não tem lugar neste filme. Brillante Mendoza sabe humanizar personagens como poucos e é isso que volta a acontecer nesta história.

Thérèse é uma mulher forte que tem os seus momentos de desespero (como quando é visitada por uma equipa de jornalistas, para fazer uma prova de vida), assim como os terroristas são tão capazes de actos profundamente cruéis como de pequenas simpatias como transportar com especial cuidado Soledad, uma idosa com quem Thérèse viaja e que o grupo de raptores e raptados chama de "avózinha". Mendoza não faz o filme para censurar os terroristas ou vitimizar ainda mais as vítimas mas sim para contar a história do que é passar mais de um ano às voltas nas selvas de Mindanao.

Em consequência disso o filme tem um ritmo relativamente lento. Mendoza leva-nos até às profundezas daquela selva e mostra-nos diferentes episódios pelos quais o grupo tem de passar. Imagino que os dias na selva fossem psicologicamente cansativos, pela rotina e pelo constante pairar da ameaça que aquele grupo representa e o realizador tenta - e sucede - recrear o que se passou com aquele grupo de gente.

Sim, este é um daqueles filmes com o famoso crédito "baseado em factos reais". A história de Captive encontra correspondência nos Sequestros de Dos Palmas e é bem provável que nunca tenham ouvido falar nele. Ainda assim, através de Captive, o maior medo de Gracia Burham (outra das raptadas, que no filme tem outro nome) não teve seguimento: houve quem se preocupasse com eles e fizesse um filme para que a sua história não fosse esquecida.

Highway

2012-02-13T00:54:00.000Z

Highway:

Quando dei a minha primeira olhada pelo programa da Berlinale deste ano um dos principais critérios que tive em conta foi o procurar conhecer o cinema de alguns países mais alternativos. Nesse sentido Highway foi uma escolha fácil: vou ver o meu o meu primeiro filme do Nepal, pensei eu, e logo com uma história me pareceu extremamente apelativa.

Highway é uma espécie de road-movie que tem origem na necessidade do seu protagonista, Manoj, viajar de Darjeeling a Kathmandu no período máximo de 36 horas. É essa a duração máxima dos efeitos de uma poção que tomou para aumentar a sua fertilidade e Manoj e a mulher tentam ter filhos há 4 anos. Manoj e os seus companheiros de autocarro têm pressa de chegar a Kathmandu e terão de improvisar para ultrapassar as sucessivas barreiras à sua progressão.

É que em princípio o autocarro em que viajam chegaria a tempo, as duas cidades distam cerca de 650km uma da outra e segundo o Google Maps a viagem dura 12 horas e 53 minutos. O problema é que no Nepal as viagens por estrada não são assim tão simples. Há que contar com os sucessivos bandh que bloqueiam as estradas daquele país e não deixam o autocarro de Manoj chegar calmamente ao seu destino. "E o que são bandh?", perguntam vocês. São uma forma de manifestação bastante típica daquela região em que os organizadores cortam as estradas durante dias a fio para que o trânsito deixe de fluir.

Quando li o sumário imaginei Highway como uma corrida contra o tempo sempre com um ritmo acelerado numa mistura de comédia e acção, mas estava enganado. Esta é a primeira longa metragem do seu realizador (Deepak Rauniyar) e isso nota-se sobretudo na tentativa de contar tudo e, consequentemente, acabar por não contar nada. Numa tentativa de aprofundar as razões que levam aquelas pessoas a fazer a viagem o filme perde-se e acaba por secundarizar aquilo que deveria ser o seu centro, o autocarro e seus ocupantes.

Talvez em mãos mais experientes esta tentativa de malabarismo tivesse tido mais sucesso mas infelizmente Deepak Rauniyar não teve mãos para o que quis contar. A edição do filme aproxima-se perigosamente do amadorismo e a dada altura os espectadores estão tão perdidos que não conseguem desfazer o novelo de histórias. Existe ainda assim uma redenção: se enquanto história de ficção Highway é fraco, enquanto espelho da vida no Nepal actual tem algum interesse.

Uma nota final para a forma como o orçamento para o filme foi obtido. Através de doações individuais numa plataforma online o realizador conseguiu juntar os $ 33.647 necessários e, só depois de tudo já filmado, chamar a atenção do actor Danny Glover, que acabou por se associar ao projecto enquanto co-produtor. As novas tecnologias abriram a porta a novas formas de financiamento e este é um bom exemplo das novas portas que se abrem para o futuro.

Kid-Thing

2012-02-12T01:01:00.000Z

Kid-Thing:

Annie (Sydney Aguirre) tem 10 anos e vive com o homem que é seu pai numa qualquer terroiola do Texas. O homem que é seu pai só o é na teoria, porque quanto ao tomar conta da filha, preocupar-se com ela, saber por onde anda ou transmitir-lhe alguns valores está quieto, Marvin (Nathan Zellner, irmão do realizador) é uma criança grande que falha completamente nas suas responsabilidades parentais.

Annie é uma criança-criança mas por vezes faz asneira como gente grande: diverte-se fazendo chamadas anónimas (como tantos de nós fizemos quando éramos mais novos), a roubar doces do supermercado ou a disparar armas de paintball contra o cadáver de uma vaca. Vejam-na como um Calvin, mas sem o Hobbes e no corpo de uma maria-rapaz. Annie tem uma vida complicada e é, ela mesma, complicada.

Um dia em que não tem escola resolve ir passar o tempo para um bosque e começa a ouvir gritos de socorro. Resolve investigar e descobre uma espécie de poço onde aparentemente terá caído Esther, mulher mais velha que agora precisa da ajuda de Annie para sair. Annie, a criança que diz que não tem medo de nada, foge a correr mas volta no dia seguinte e continua a voltar, com comida, bebida e pedidos de atenção. Nunca, porém, com uma escada ou um adulto que possa realmente ajudar.

Porque é que Annie mantém a relação com esta mulher que não vê? Porque é que não a ajuda a sair dali? Será que Esther existe mesmo ou é uma criação da mente daquela criança, uma forma de enfrentar o medo do desconhecido? A resposta é deixada em aberto mas o filme tende a seguir numa direcção que não me agradou particularmente e que o afasta de maior grandeza. Tomem particular atenção à montagem sonora para perceber o que estou a dizer.

Talvez seja embirração pessoal da minha parte mas acho que filmes sobre crianças (que não são a mesma coisa que filmes para crianças, Kid-Thing é um filme para adultos!) devem tentar ser o mais directos possível, sem forçar obscurantismos que não existiriam na mente dos seus protagonistas. As crianças vêem magia e aventura em todo o lado, mas não duplos sentidos para as suas acções. A história de Annie é por si só relevante e a tentativa de forçar simbolismos onde não os devia haver faz com que Kid-Thing nos transmita uma mensagem, mas uma mensagem menos interessante.

Foi sobretudo por isso que fiquei desiludido com Kid-Thing. É um filme tecnicamente bastante competente (com especial louvor para o trabalho a nível sonoro e para a interpretação da protagonista) e que não é propriamente mau, mas a razão que me impeliu a ir vê-lo foi o ter-me lembrado de um filme chamado Curling, do Denis Côté, e querer ver um filme a explorar melhor um tema que me interessa bastante. Infelizmente terei de continuar na minha busca da forma perfeita de mostrar a solidão infantil.

Nuclear Nation

2012-02-11T00:24:00.001Z

Nuclear Nation:

Se filmes e jogos apocalípticos como o The Road ou a série Fallout nos tentam mostrar o mais realisticamente possível como seria a vida humana após um qualquer apocalipse nuclear, Nuclear Nation - do cineasta japonês Atsushi Funashi - conta nos a história real de um grupo de pessoas sobre as quais esse apocalipse caiu no dia 12 de Março de 2011.

As pessoas em causa são alguns dos ex-residentes da cidade de Futaba, na costa leste do Japão. Na véspera do malfadado dia 12 de Março de 2011 a sua cidade, que em condições normais estaria condenada ao esquecimento, tornou-se notícia por uma das piores razões possíveis: foi das cidades mais afectadas pelo gigantesco tsunami que nesse dia levou consigo milhares de casas e de vidas. Infelizmente para Futaba o pior ainda estava para vir.

Nesse dia 11 de Março, enquanto os sobreviventes tentavam dormir no que restava da sua cidade, não imaginariam que talvez nunca mais lá pudessem passar a noite. No dia seguinte o reactor número 1 da central atómica de Fukushima Daiichi (este nome já é mais conhecido, certo?) não resistiu ao sobreaquecimento consequência do tsunami e explodiu, lançando para o ar uma nuvem radioactiva que punha em perigo tudo e todos. Começava aqui o pior desastre nuclear desde Chernobyl.

Tendo sobrevivido ao tsunami, os Futabenses (?) remanescentes foram evacuados para diversas partes do Japão, tendo muitos deles ido parar a uma escola perto de Tóquio. Foi lá que o realizador os conheceu e é por lá que passamos a grande parte das mais de duas horas do filme.

É também nessa escola, a centenas de quilómetros de Futaba, que está instalada a Câmara Municipal da cidade e onde trabalha o seu presidente, Katsutaka Idogawa, um D. Quixote moderno e real que tem a árdua tarefa de tentar reconstruir uma cidade que simplesmente desapareceu do mapa. Idogawa é o mais próximo que este filme tem de um personagem principal e, posso dizê-lo, uma pessoa que fiquei a admirar pelas suas investidas contra os "moinhos de vento" atómicos.

No Q&A que se seguiu à exibição do filme o realizador (cujo pai sofreu outro apocalipse nuclear, já que vivia em Hiroshima no dia 6 de Agosto de 1945) admitiu duas razões para a existência deste filme: por um lado "denunciar a negligência criminosa do Governo Japonês e da TEPCO" e por outro mostrar um rosto àquela tragédia, depois dos repórteres das televisões terem ido embora.

Só posso dizer que pela minha parte o objectivo foi cumprido. Apesar de sofrer do grande problema do cinema documental asiático - a falta de narração - Nuclear Nation é um filme importante, pela mensagem que transmite, mesmo que essa mensagem seja - analisada objectivamente - bastante deprimente, basta pensar que o acidente de Chernobyl aconteceu em 1986 e Prypiat, a Futaba de então, ainda hoje é uma cidade fantasma. O governo japonês aprovou recentemente uma lei que determina que os terrenos onde Futaba se situava serão utilizados para armazenamento de lixo tóxico de outras zonas do país e não é por acaso que o liceu alberga cada vez menos refugiados (cerca de 500, dos 1400 iniciais). Futaba acabou e Idogawa já está a lutar contra um novo moinho de vento, descobrir onde fundar a sua nova cidade.

Será uma mudança temporária, diz ele, até voltarem ao sítio de onde saíram naquele malfadado dia 12 de Março de 2011.

(A sessão a que assisti foi a estreia mundial deste filme pelo que é quase certinho que esta é a primeira crítica que lhe é feita em língua portuguesa. Cada vez gosto mais da Berlinale e vocês deviam gostar cada vez mais de mim por vos trazer estes exclusivos. Toca a passar palavra e a promover-me o blog!)

Berlinale 2012

2012-02-09T21:32:00.008Z

A edição de 2012 da Berlinale começou oficialmente há cerca de duas horas. Estamos a falar do maior festival de cinema do mundo (esperam-se 800.000 espectadores, este ano) e onde muitos dos grandes filmes do ano são apresentados pela primeira vez ao público europeu.

Como já devem ter reparado o editor e escriba deste blog vive em Berlim desde finais do ano passado e como tal, ao contrário de 2011, este ano vou conseguir ver bastantes sessões. A primeira é já amanhã e, tal como de costume quando frequento festivais, podem contar com SMR no próprio dia em que vi o(s) filme(s). Numa era em que a rapidez é tudo vou tentar dar-vos as primeiras críticas em português de variados filmes.

Como sempre, o critério é só um: o meu gosto pessoal. Espero que concordem com o que achei interessante.

(Entretanto tenho dois filmes "fora de festival" cujas SMR terão de ficar para depois de dia 19)

The Artist

2012-02-09T19:32:00.000Z

The Artist:

Há já muitos anos que me perguntava isto: porque é desde que há a possibilidade de fazer filmes a cores ainda se fazem alguns a preto e branco mas desde o The Jazz Singer (o primeiro grande filme com falas da história do cinema, datado de 1927) foram raros os filmes mudos? É que se repararem de tempos a tempos vão surgindo alguns filmes a preto e branco, mas - depois de o ter investigado por causa deste filme - devem ter sido feitos uns 10 filmes mudos desde os anos 30.

A vossa resposta à minha pergunta é aquela que também me surgia sempre, enquanto que o preto e branco por vezes serve como acrescento artístico a perda do som é uma limitação à qual os espectadores actuais não estão habituados. Seria uma distração em vez de uma escolha estilística.

The Artist, o mais recente filme do realizador francês Michel Hazanavicius (mais conhecido pelas suas comédias) surge em 2011 com a intenção de acabar com a minha lógica infalível. Aqui está um filme mudo (ou quase), a preto e branco e com grande sucesso comercial e artístico. Venceu vários Globos de Ouro, incluindo o de Melhor Filme de Comédia ou Musical (embora não seja nem uma comédia nem um musical!), foi um dos principais nomeados para os Óscares (10!) e é um dos grandes candidatos a ganhar uma data de estatuetas.

A questão que necessariamente tem de ser abordada é o quão merecido é esse sucesso. Eu diria que tem algum mérito mas não tanto que justifique as ondas que tem criado. Acho que o mérito é sobretudo pela coragem de fazer um filme destes em pleno século XXI, tudo o mais é bom mas não extraordinário.

A história é a de George Valentin (Jean Dujardin), estrela do cinema mudo que não se consegue adaptar à transição para o cinema falado e vê uma sua antiga protegida tornar-se uma estrela de nível mundial. Nos tempos do mudo George ajuda Peppy (Bérénice Bejo) a conseguir os seus primeiros trabalhos e, depois da desgraça de George é Peppy que o ajuda, não a conseguir filmes mas a manter-se vivo. É uma história que se repetiu muito nos anos 20, quando vários actores e actrizes não conseguiram vingar num mercado totalmente diferente.

Um dos frequentes elogios ao filme é a qualidade da actuação do actor principal, Jean Dujardin. Ao aceitar o papel foi corajoso, pois coube-lhe liderar um filme mudo apenas com a sua expressividade e - há que dizê-lo - acho que não vai desiludir ninguém. Há, porém, outra pessoa que me agradou bastante mais. Tal como se passa durante o filme, a actriz mais jovem supera o mais veterano actor e torna-se na verdadeira estrela. Bérénice Bejo é uma actriz que vai valer a pena seguir no futuro, a menos que esteja talhada apenas para filmes mudos. Creio que The Artist é uma obra solitária e não vamos ter uma série de filmes mudos num futuro próximo.

Uma última nota para algo que é realmente merecedor do hype, a banda sonora. Tal como no antigamente, em The Artist o diálogo é substituído por intertítulos e a emoção é transmitida através da música que acompanha as cenas. O trabalho de Ludovic Bource é, nesse aspecto, exemplar...não obstante as críticas de que tem sido alvo são as suas composições que nos ajudam a rir quando Uggie faz as suas cenas ou sentir o desespero de George quando a sua vida está quase no fim.

Moneyball

2012-02-05T23:07:00.000Z

Moneyball:

Era uma vez um livro sobre o segundo desporto mais aborrecido do mundo (a seguir ao curling), o baseball. Mas este livro não era sobre o desporto em si, era sim sobre análise estatística das qualidades dos seus jogadores e sobre como - analisando esses dados - se poderia construir equipas mais baratas mas igualmente ganhadoras. Esse livro deve ser chato como o raio, mas foi adaptado para o cinema.

Sim, Moneyball (que é também o título do livro) é um filme que fala de baseball e análise estatística. Felizmente aqui deram mais atenção ao treinador Billy Beane, o primeiro a pôr em prática o sistema explicado no livro e que teve algum sucesso com o mesmo. Felizmente também colocaram o baseball à frente da análise estatística, mas este é um filme em que vemos uma dose bastante considerável de folhas de Excel. O que é que eu, que não gosto nada de baseball e não acho análise estatística um tema interessante para um filme, fui fazer para esta sessão de cinema?

A resposta é simples. O filme já tinha estreado há uns tempos em Portugal mas consegui evadir-me a ele, achando já que ia ser uma valente seca. Entretanto vieram as nomeações para os Óscares e este novo trabalho do realizador Bennett Miller (que anteriormente só assinou o também consagrado Capote, já de 2005) recebeu 6, incluindo duas de representação, uma para melhor filme e outra para melhor argumento adaptado. Merecerá alguma delas? Sem dúvida que não, já que se trata de um filme desesperantemente mediano.

O apelo deste filme para o público americano é óbvio. Por um lado trata-se do desporto nacional dos EUA e aquele que se encontra mais orgulhosamente só (a NBA e a NFL são fenómenos muito mais internacionais e mesmo a NHL também deve ser), por outro é a típica história do underdog (neste caso a equipa dos Oakland A's) que tanto agrada aos votantes neste tipo de prémios e, finalmente, tinha como protagonista um Brad Pitt estranhamente interessado na história. A coisa estava feita e por muito pouco interessante que o filme fosse (e é; gostaria de ver como teria ficado se - como planeado inicialmente - fosse o Soderbergh a realizar) haveria de criar algum buzz para a temporada de prémios.

O que duvido (e secretamente torço para que aconteça) é que tal como o que se passou com os A's de Billy Beane (que, coitadinhos, só tinham 34 milhões de orçamento anual, o que me faz pensar que - mesmo apesar das diferenças astronómicas para as outras equipas - não são assim tão underdogs, é só ver o orçamento de uma equipa de futebol tipo Académica) o filme que conta a sua história venha a ter o mesmo tipo de sucesso. Acho que é o mais justo para um filme que tem como ponto mais alto a revelação do Jonah Hill como algo mais que um idiota.

Bronson

2012-02-01T00:31:00.001Z

Bronson:

Se os biopics são retratos então Bronson, filme que conta a história de Michael Gordon Peterson, é uma daquelas caricaturas que se podem fazer num qualquer calçadão de praia. A referência que este poster faz ao A Clockwork Orange não é desapropriada mas não seria desapropriado mencionar antes o Natural Born Killers do Oliver Stone...tudo aqui parece cartoon, embora a história por detrás do filme seja real.

Quem é Michael Gordon Peterson? É o auto-proclamado recluso mais violento da Inglaterra. Um homem de 59 anos que adoptou a alcunha de Charles Bronson, inspirando-se no actor para criar uma personalidade para a sua vida na prisão. Desde que foi preso pela primeira vez, em 1974, Charles Bronson passou toda a sua vida na cadeia à excepção de 69 dias em 1988. A primeira pena de prisão era de "apenas" 7 anos, mas como Charles se diverte em lutar com os restantes reclusos e com os guardas prisionais os anos foram-se acumulando e os muitos dias de solitária também.

Não vos consigo falar muito mais sobre a personalidade deste homem. Não o conhecia antes de ver este filme e mesmo depois de o ver não o conheço propriamente bem. A razão para ter visto o filme é ser do mesmo realizador que o Drive mas quem esperar um filme semelhante está bastante enganado...não me canso de repetir que se trata de uma obra mais próxima do Natural Born Killers que qualquer outro filme que me lembre: a história é violenta mas contada de uma forma quase cartoonesca e, por força da sua personalidade, o vilão torna-se no personagem mais simpático/cool de toda a história, o Charles Bronson deste filme acredita que é uma estrela, comporta-se como tal e faz-nos simpatizar com ele. Pena é que a simpatia não fique para sempre.

Isto porque o filme comete um pecado capital: começa em grande (passei os primeiros 15 minutos de boca aberta, completamente surpreendido com o que estava a ver) mas depois vai decrescendo de interesse. A qualidade mantém-se mas a história prolonga-se demais (não há assim tanto a dizer sobre uma pessoa como estas, certo?) e a dada altura torna-se um bocado aborrecida.

É por causa dessa falha que acho que Nicolas Winding Refn não fica no mesmo patamar que estava depois de Drive (nota importante: este filme é mais antigo, de 2008, eu é que só o vi agora). Se em relação a Drive é o realizador que merece a grande parte dos elogios, em Bronson a realização é também merecedora de elogios (o homem mostra que consegue filmar com estilo) mas os holofotes devem cair todos sobre Tom Hardy, um actor que antes não tinha muito que mostrar mas que por causa deste filme já ganhou uma série de papéis icónicos (vejam-no como Bane no próximo Batman!). A sua criação é decerto mais interessante que o Charles Bronson do Michael Gordon Peterson e - ainda mais importante - agradou à mãe do personagem que retrata.

O recluso verdadeiro não foi autorizado a ver o filme que o retrata, mas contou estar orgulhoso por ser retratado num filme que agradou à sua mãe. Consigo imaginar que, se visse o filme, ficaria ainda mais orgulhoso: um filme tão louco só poderia agradar a alguém com uma personalidade tão louca.

十三人の刺客 (13 Assassins)

2012-01-30T20:43:00.000Z

十三人の刺客:

Do criador de Ichi the Killer, Audition e tantos outros clássicos do gore japonês, Takashi Miike, saiu em 2010 um filme que - sendo também bastante violento e vermelho-sangue - tem uma característica inédita: ser realista. Baseado no rico passado dos Samurai japoneses, 13 Assassins é o remake de um filme de 1963 (do realizador Eiichi Kudo) e conta-nos a história de 12 Samurai e um yōkai que se unem para combater o exército de um lorde cuja ascensão ao poder poderá perturbar a paz daquele reino.

Toda a história do filme se desenvolve em relação à grande batalha entre os 13 e o exército. Podemos dividi-la em três partes, o planeamento, a execução e uma pequena conclusão após a batalha.

A fase do planeamento é provavelmente a mais prolongada...nela são-nos contadas as razões pelas quais os diferente samurai decidem combater o lorde Matsudaira Naritsugu e os esforços de Shinzaemon Shimada (o mais próximo que o grupo de samurai tem de um líder) para os juntar. O personagem Narigatsu é baseado numa pessoa real, embora não acredite que esta história se tenha passado mesmo, já que nesta representação o homem é a maldade em pessoa, matando crianças para treinar a pontaria com o arco ou decepando os membros de uma serva apenas para se divertir e a usar como boneca...Tudo muito extremo, típico das lendas japonesas e dos filmes de Miike, portanto.

A fase da execução é a batalha propriamente dita, e o ponto alto do filme. Por vezes damos por nós a pensar que a proporção é tão grande que se torna irrealista, mas não haja dúvidas que ver a forma como os 13 fortificaram uma pequena aldeia de passagem tornando-a numa "aldeia de morte" e a forma como irão enfrentar o exército de mais de 200 soldados é um excelente entretenimento.

Aliás, para mim o grande problema deste filme é mesmo esse...não passar de entretenimento. Há muito que tenho curiosidade sobre a história do Japão feudal mas ou este filme não passou bem a informação ou fui eu que não estava no estado de espírito certo...a verdade é que apesar da perfídia (sim, usei a palavra perfídia neste blog) de Narigatsu em momento nenhum me senti ligado aos samurai e à sua causa. Quis que eles vencessem a grande batalha, sim, mas apenas porque dessa forma o filme continuaria por mais uns minutos (e as cenas de luta são excelentes), não mais do que isso. 13 Assassins acaba por ser um bom filme de porrada, mas não contem com ele para aprender muito sobre samurais, para isso têm sempre o Kurosawa.

Conan O'Brien Can't Stop

2012-01-28T21:18:00.000Z

Conan O'Brien Can't Stop:

Quem conviveu comigo durante o ano passado decerto que me ouviu falar no conflito que opôs o Conan O'Brien (mítico apresentador do Late Night Show) à NBC. Resumidamente, tudo se passou à volta da sucessão no Tonight Show, talk show mais famoso dos Estados Unidos. O que se passou foi que depois de se ter reformado Jay Leno, o ex (e actual) apresentador do programa decidiu que queria voltar e a NBC, empregadora de ambos, decidiu dar-lhe o seu espaço de volta. O Conan O'Brien - que apresentava o programa há uns meses - continuaria com o título, mas o horário seria adiantado...Conan voltava a apresentar depois da meia noite.

Ora, como se achou desrespeitado pela NBC Conan decidiu demitir-se e, como tal teve de assinar um contrato que o proibia de se apresentar na televisão durante 6 meses. Foi com esta proibição legal que Conan decidiu fazer uma tour dos Estados Unidos, para conhecer os milhões de fãs da Team Coco (quase todos os jovens/artistas ficaram do lado dele) e com eles partilhar - através do humor - a sua raiva em relação a toda aquela situação. Entretanto a dada altura alguém se deve ter lembrado de pegar numa câmara e fazer um documentário sobre o assunto.

Com muita pena minha - declarado membro da Team Coco - o filme não é nada por aí além. É interessante ver como uma estrela que conhecemos da televisão se comporta fora do estúdio (parece ter uma obsessão por bater, na brincadeira, em colaboradores) mas não há muito mais para ver do que isso. O filme mostra-nos a fase de preparação do espetáculo e alguns dos highlights das 42 actuações da tour mas o realizador (Rodman Flender, mais habituado a realizar episódios de sitcoms como a Ugly Betty) não nos consegue transmitir grande emoção: há momentos tenso e há momentos divertidos mas em momento algum nos conseguimos transferir para o que se está a passar na tela.

O que se passou com o Conan O'Brien acabou por lhe ser positivo (nunca teve tantos fãs e já voltou a ter o seu próprio programa, agora simplesmente chamado de Conan, "para ninguém mo tentar roubar" disse ele) mas por todo o culto que cresceu à sua volta, Conan O'Brien Can't Stop não é uma grande adição ao cânone de Conan.

Sleeping Beauty

2012-01-27T19:14:00.000Z

Sleeping Beauty:

Vindo directamente da Austrália temos um filme que poderia ser italiano. Com uma estética algures entre Io Sono L'Amore e Saló ou os 120 dias de Sodoma Sleeping Beauty pega no título da mais famosa animação da Disney para nos contar a história de Sarah, de seu nome real Lucy, uma estudante universitária que decide ganhar uns trocos com um trabalho altamente sui generis.

O que Lucy tem de fazer é tomar um comprimido que a adormece profundamente enquanto que os clientes da sua patroa (Rachael Blake) fazem com ela o que bem entenderem, excepto penetrá-la. Sim, é uma ocupação estranha num filme estranho. A dado momento Lucy sorri enquanto é inspeccionada fisicamente para mais um trabalho; até ela (sobretudo ela?) se apercebe do ridículo da situação em que está metida. Os clientes, porém, acham-no normal e continuam a fluir, vindos da alta-sociedade australiana.

Creio poder dizer que este tipo de actividades não existirá no mundo real (tal como não existirão as diversões de Saló), pelo menos assim espero. Mas também não hesito em afirmar que as actividades de Lucy enquanto Sarah são uma boa metáfora para algo que todos nós a dada altura constatamos na vida: se houver alguém que pague para se fazer algo, haverá alguém para a fazer.

Dada a estranheza do tópico que filma, a realizadora Julia Leigh (que tem neste o seu primeiro filme) optou por uma estética também ela desconfortável. Toda a história é contada com um formalismo extremo (daí se poder dizer que poderia ser não só um filme italiano, como um filme italiano de há umas décadas atrás) mas que aumenta ainda mais o encanto do filme...se tivesse optado por um visual mais normal o filme poderia ser intolerável, assim a nudez (e há bastante, numa aposta pesada da protagonista, Emily Browning) é assexualizada e mesmo a perversão dos seus clientes é reduzida quando estes nos contam, olhos nos olhos, o que os trouxe àquele quarto.

Sleeping Beauty não é um filme para todos. Será profundamente formal para uns, demasiado sexual para outros e pura e simplesmente demasiado estranho para uns quantos mais, mas se estiverem no grupo daqueles que - como eu - toleram bem essas características vão gostar de ver esta obra. Disse acima que a protagonista (mais habituada a filmes bastante mais light) apostou pesado neste papel, mas para mim a aposta foi ganha.

The Ides of March

2012-01-26T20:14:00.000Z

The Ides of March:

Da última vez que o George Clooney decidiu um filme de conteúdo político o resultado foi o Good Night and Good Luck. Vi-o uns meses depois de ter estreado e não vos sei dizer se é bom ou não...vi-o no último dia de exames do meu mestrado e como estava tão cansado adormeci. Do que me lembro, porém, posso dizer que se tratava de um filme a preto e branco com grande ênfase do formalismo de cena e com mais forma que conteúdo.

The Ides of March é a nova aventura do actor tornado realizador pelos campos políticos e neste caso a minha análise é a oposta: a preocupação estilística é menor mas o conteúdo bem mais interessante. Meninas e meninos, senhoras e senhores, adorei este filme.

É verdade que talvez eu não seja o melhor exemplo a ter em conta, dado a minha (relativamente saudável) obsessão por política e, em particular, pelos seus bastidores. Ora, como este é um filme integralmente passado nos bastidores da política norte-americana (neste caso em concreto umas eleições primárias do Partido Democrata, no Ohio) é normal que se calhar tenha gostado um bocadinho mais do que qualquer outra pessoa que não partilhe do mesmo interesse.

Mas não se enganem, este não é um filme só sobre eleições primárias num dos Estados dos Estados Unidos da América. As manobras políticas que aqui se passam poderiam passar-se nas eleições de um qualquer outro partido, Estado ou país...poderiam também passar-se num processo de promoções internas de uma empresa ou numa qualquer candidatura a emprego.

A mensagem que passa é simplisticamente trágica: muitas pessoas fazem o que for preciso para atingir os seus objectivos. Neste caso observamos o trajecto de Stephen Meyers (Ryan Gosling, para quem já me faltam elogios), um jovem de 30 anos que se encontra na posição número 2 da estrutura de suporte da campanha do Governador Mike Morris (o nosso amigo George Clooney, desta feita à frente da câmara). Stephen é ambicioso e de início um pouco naif. É nessa inocência que o líder da campanha rival (Paul Giamatti) vai apostar, montando um esquema que, se correr bem, pode levar à derrota do Governador naquelas eleições e, consequentemente, nas futuras Presidenciais.

O conteúdo do esquema é algo que não vos vou revelar, porque caso contrário tirar-vos-ia grande parte do prazer do filme (adorei o facto de não ter conseguido prever a jogada seguinte enquanto que os protagonistas antecipavam duas ou três jogadas à frente) mas posso dizer-vos que Stephen não vai ficar na mesma, o seu chefe directo (Phillip Seymour-Hoffman) não vai ficar na mesma, o Governador não vai ficar na mesma, o adversário que montou o esquema fica mais ou menos na mesma e Ida, uma jornalista interpretada pela Marisa Tomei, não fica no mesmo sítio. Neste ensaio sobre a lealdade nada ficará de pé e, muito honestamente, o meu queixo ficou muitas vezes caído.

Gosto muito de política mas não gosto de políticos. É preciso ser-se muito matreiro (para não usar outra palavra) para se conseguir vencer.

P.S.: Pormenor interessante do filme é o chamar-se The Ides of March, numa referência à peça "Julius Caesar", de Shakespeare. Uma referência a Shakespeare é perfeita para uma trama como estas.

The Girl With the Dragon Tattoo

2012-01-22T16:52:00.000Z

The Girl With the Dragon Tattoo:

Tudo começou em 2005, quando foi publicado pela primeira vez o primeiro livro da trilogia Millenium, do escritor sueco Stieg Larsson. Originalmente chamado Män som hatar kvinnor - Homens que odeiam mulheres, contava duas histórias, a da investigação feita pelo jornalista Mikael Blomkvist ao desaparecimento (em 1966) de Harriet Vanger e a de Lisbeth Salander, uma jovem de 22 anos com um passado bastante atribulado.

Como bom livro que é (recomendo!), as histórias de Mikael e de Lisbeth acabam por cruzar-se e desenvolver-se ao longo de mais dois livros. Como bons livros que esses dois eram também, a trilogia tornou-se famosa mundialmente e já venderam 65 milhões de cópias. É por isso que acho que muitos de vocês já devem conhecer a sua história.

Passados começaram a sair as primeiras adaptações cinematográficas, também elas vindas da Suécia. O filme do primeiro livro é uma excelente adaptação e um excelente filme em si mesmo. Analisei-o aqui no dia 2 de Outubro de 2009. Ontem chegou a altura de ver a primeira adaptação americana e, como já vos disse que presumo que saibam mais ou menos a história (se não souberem vão ver o filme :P) vou debruçar-me apenas no que este filme traz em relação ao livro e à versão sueca.

Tudo começa bastante mal, devo dizer. O genérico inicial é para mim a pior parte do filme: tem a excelente música do trailer (Immigrant Song) mas a estética cinzento cromado + baldes de petróleo faz parecer que vamos ver um misto de James Bond com Transformers. Felizmente a partir daí tudo melhora.

O que se nota acima de tudo é a diferença de valores de produção. Quando escrevi sobre o filme sueco disse "Outra coisa rara neste filme é ver um nível de produção tão alto num filme europeu". Mantenho o que disse, mas isto são as big leagues, Hollywood a sério, e tudo o que de bom e de mau isso tem: tudo tem melhor aspecto, mas por outro lado é um bocadinho menos natural.

Apesar de tudo não se preocupem, se há bom realizador para pegar nesta história esse realizador é o David Fincher (que, em princípio, irá também realizar os segundo e terceiro filmes), que traz com ele uma das suas grandes qualidades, uma noção de ritmo sem rival. Esta história é complexa, tem muita informação (os livros são grandes) e - aviso já - muito teve de ficar de fora para deixar o filme antes da marca das três horas. No entanto, a história mantém-se equilibrada, se bem que um pouco diferente...

Diferente porque para a mentalidade americana não se poderia ter um filme chamado The Girl with the Dragon Tattoo sem que a rapariga tenha grande relevância nas primeira metade e por isso - aviso aos puristas e SPOILER - a história de Lisbeth é puxada mais para a frente e contada logo de início. É uma opção errada, a meu ver, porque dá a ideia errada sobre a rapariga: quem não tenha lido os livros fica a pensar que está a ver um filme sobre uma rapariga meio chanfrada e que, secundariamente, haverá uma investigação ao desaparecimento de outra, e não é bem assim. FIM DE SPOILER

Mas estes livros não seriam nada sem Lisbeth. É ela a grande criação de Stieg Larsson e a principal razão do seu sucesso e por isso mesmo o seu casting foi o desde logo o ponto que mais polémica lançou: será que a Rooney Mara se safa bem como Lisbeth ou deviam ter deixado a Noomi Rapace como a versão em carne e osso desta personagem? Antes de mais deixem-me dizer-vos que ao que seu a Noomi Rapace recusou ser novamente Lisbeth Salander, por isso essa questão nem se colocaria. Mas mesmo que se colocasse devo dizer que se calhar prefiro a Rooney (ainda estou a decidir-me): fisicamente está bastante mais próximo da Lisbeth que tinha em mente quando li os livros e se em termos de personalidade me parece que a Noomi estivesse mais perto a diferença não é assim tanta que me faça grande confusão.

Acho que o melhor que vos posso dizer sobre esta nova versão é que estou ansioso por ver as adaptações americanas dos segundo e terceiro livros. Nunca estive tão excitado em relação a remakes.

Cave of Forgotten Dreams

2012-01-19T19:08:00.001Z

Cave of Forgotten Dreams:

Meninas e meninos, senhoras e senhores, a divisão de filmes do Canal História apresenta Cave of Forgotten Dreams, o primeiro filme em 3D de um dos últimos realizadores que provavelmente imaginariam a aderir à moda reacendida pelo Avatar. Verdade seja dita que o uso do 3D é feito ao contrário do normal...

Isto porque este seu novo documentário se passa em grande parte em espaços apertadíssimos e o 3D serve apenas para nos mostrar texturas de paredes, nunca (ou quase) para espetar objectos ecrã fora. Os espaços fechados em questão pertencem à gruta de Chauvet, em França, e neste os meus leitores portugueses estarão a pensar "Grutas? Fogo, granda treta, já fui às grutas de Santo António quando era puto e aquilo até é fixe, mas não vale a pena pagar o bilhete do cinema para ir ver essa m*rda".

Acontece que as grutas de Chauvet não são umas grutas quaisquer. Não são as maiores, nem as mais bonitas, mas dentro delas encontram-se as pinturas rupestres mais antigas jamais encontradas, pinturas essas que se encontram extremamente bem cuidadas por causa de uma derrocada que tapou totalmente a sua entrada e a isolou do resto do mundo. E, lanço-vos a pergunta, quantos anos acham que as pinturas rupestres mais antigas têm? 10.000 anos? Nem pensar! Isso são as segundas mais antigas, estas têm mais do dobro...estima-se que cerca de 32.000 anos.

É verdade, há 32.000 anos atrás um dos nossos antepassados resolveu entrar naquela gruta e pintar umas coisinhas, crê-se que enquanto parte de um local de culto religioso...Jesus Cristo ainda estava longe por isso desenhou uma espécie de minotauros, bem como uma série de animais que na altura viviam por aqueles lados, animais tão estranhos para nós como os ursos das cavernas e Mastodontes mas que - provavelmente - eram tão normais como para nós são os ursos "normais" e os elefantes "normais".

Esta gruta foi descoberta apenas em 1994 quando, quase por acaso, um grupo de espeleologistas sentiu uma corrente de ar a sair da montanha. Conseguiram entrar, exploraram e quando sairam comunicaram a descoberta às autoridades, que rapidamente decidiram fechá-la permanentemente ao público. O que ali está dentro é demasiado importante para ser destruído pelo exalar de milhares de pessoas. É por isso que este documentário é importante, é provavelmente a única vez que irão ver estas imagens de uma forma tão detalhada, em grande escala e num dos melhores usos jamais dados às câmaras e aos óculos 3D.

Para além dessa utilidade didática confesso que não vos posso recomendar muito o filme (a menos que sejam fãs de espeleologia/arqueologia/(pré-)história de arte. Abstraindo-nos do tema, trata-se de um dos piores documentários deste que é um dos meus documentaristas favoritos e que faz lembrar alguns dos seus primeiros projectos: pega-se num tema relativamente limitado e explora-se durante demasiado tempo. Este é o caso, já que não seria muito difícil passa-lo para uma curta metragem, bastava para isso encurtar as entrevistas e, sobretudo, eliminar os monólogos esotéricos sobre coisas como "o que é que o urso das cavernas pensaria ao olhar para estas pinturas?".

Bastaria uma série de planos da gruta, outros das pinturas e uma ou outra entrevista (incluindo aos seus descobridores, vergonhosamente fora do filme), mas aí a coisa era capaz de se aproximar demais de um documentário a passar exclusivamente no canal História, sem óculos 3D. Era capaz de ter sido melhor opção.

Contagion

2012-01-16T21:30:00.000Z

Contagion:

Contagion é um filme de terror com o assassino mais pequeno de sempre. Não, não estou a falar de um homem mascarado anão com uma mini-moto-serra ou de um monstro com meio metro de altura. Aqui o assassino é microscópico, um vírus (ficcionado, felizmente, mas baseado em meningoencefalites) que se vai transmitindo de pessoa em pessoa pelas cidades que o poster aqui de cima vai referindo, matando muitos milhões de permeio.

O que fazer quando não vemos aquilo que nos pode matar? Como reagir ao conhecimento de que basta o tocar algo tocado por uma pessoa infectada para que fiquemos infectados também (num fenómeno, perturbadoramente real, que se chama transmissão por fomite)? O que a humanidade faz neste filme é isolar-se cada vez mais, evitar o contacto ao máximo e basicamente só sair para procurar mantimentos e eventuais curas para a infecção global.

Mas este não é um filme de fim do mundo tipo The Road, é um filme de terror. E nada me aterrorizou mais do que estar a vê-lo ao lado de uma médica que sempre teve o sonho de trabalhar no CDC e essa médica me ter dito que tudo o que ali se passa pode realmente acontecer. Basta que algures no mundo uma infecção animal consiga passar para o ser humano e, com as constantes viagens do mundo de agora, uma grande parte da população do planeta poderá desaparecer. Para terem um termo de comparação, a gripe espanhola de 1919 (época em que ainda não se viajava tanto e, muito importante, muito mais vagarosamente) infectou cerca de 27% da população mundial da altura, acabando por matar 3% da mesma (uns 100 milhões de pessoas).

Nesse aspecto o filme consegue passar a mensagem. Não deve ser possível a alguém que o tenha visto ignorar a tosse de um qualquer co-passageiro de um autocarro. Contagion faz-nos ter medo de corrimões, de guardanapos, de tudo e mais alguma coisa, ao contrário do que se passava em filmes semelhantes, como o Outbreak de 1995 (e o quanto eu adorei esse filme) e pode mesmo vir a ser um importante instrumento para educar a população.

Não está, porém, isento de falhas. Por todos os grandes actores e actrizes que tem (Contagion conta com um dos melhores ensemble casts de 2011, pelo menos em número de estatuetas douradas no palmarés colectivo) muitos deles acabam por ser sub-utilizados (estou a pensar na Gwyneth Paltrow e na Marion Cotillard). Por outro lado tem ainda o quase obrigatório final feliz dos filmes mainstream americanos (a cena final deveria ter ficado de fora, mas tornaria o filme ainda mais assustador). Tem ainda algumas sub-histórias que mais valia não terem sido exploradas (mais uma vez a Marion Cotillard) e um paralelismo com o Ensaio Sobre a Cegueira que não é de todo explicado,falha grave num filme tão cientificamente correcto.

Ainda assim vejam-no, assustem-se e reflictam sobre uma frase dita sobre uma doença real que poderia criar este tipo de caos: No one has to weaponize the bird flu.The birds are doing that.

Der Baader-Meinhof Complex

2012-01-13T01:29:00.000Z

Der Baader-Meinhof Complex:

Uma lição de história. O chamado "grupo Baader-Meinhof" (que se auto-intitulava RAF - Rote Armee Faktion) esteve no activo de 1970 a 1998. Tratou-se de um grupo de extrema esquerda que procurava chamar atenção à sua causa ("a obrigação histórica da juventude alemã em combater o fascismo") através de uma série de assassinatos e raptos high profile, sobretudo a políticos e industriais poderosos. Ainda hoje são muito mal vistos na Alemanha (excepto por aqueles que os tentam emular) e o pai da minha namorada, alemão que viveu a sua juventude no apogeu deste grupo, ainda hoje se recusa a ver este filme por não querer reviver o que se sentia na altura.

Der Baader-Meinhof Complex, o filme, é a tentativa de passar para o celulóide a história deste grupo. É um filme longo para uma história longa, e mesmo assim não cobre tudo. Os membros originais estavam quase todos ou na cadeia ou no cemitério em finais da década de 70 mas posteriormente houve novas vagas de activistas-terroristas que continuaram, mais ou menos independentemente, o nome e a mensagem política. O seu último assassinato foi em 1991, por isso não pensem que estamos perante história a preto e branco...eu, por exemplo, já 16 anos quando o grupo se desfez.

Imagino que nas reuniões com os produtores a expressão "demasiado ambicioso" tenha sido referida. Pegar numa história tão controversa, tão recente e tão complexa necessita um trabalho hercúleo (aqui devo destacar a realização bem afinada de Uli Edel) e um trabalho de actores que coloque aqueles homens (e mulheres) numa luz relativamente neutra, nem de total criticismo e nem - muito menos - de endeusamento que um grupo de terroristas superstar que, creio eu, gostavam do status de celebridade que obtiveram (e aqui destaco a interpretação de Moritz Bleibtreu enquanto Andreas Baader).

É que curiosamente, apesar de o filme transparecer bem a importância fulcral que mulheres tiveram neste grupo é mesmo Andreas Baader o personagem mais interessante de explorar. O Andreas real morreu em 1977 mas, pelo que o filme nos mostra, terá sido o membro do grupo que mais contribuiu para a sua infâmia...Longe de ser o intelectual do grupo (essa honra seria, provavelmente, de Ulrike Meinhof) Andreas parece ter sido aquele que mais agressivamente procurou passar a mensagem. Foi da sua cabeça que saíram as acções mais violentas do seu período inicial.

Quem tiver interesse neste tipo de temáticas (pessoal com fortes convicções políticas, gente das contra-culturas) de certeza que vai gostar desta representação de um pedaço mais desconhecido da história recente da Alemanha e da Europa. É um filme difícil, pela sua extensão temporal e em termos do que é abarcado, mas extremamente recompensador.

Ano novo vida velha

2011-12-31T23:59:00.012Z

Ano novo vida velha. Tal como no ano passado, este ano ficou-me uma SMR por fazer (The Baader-Meinhof Complex, que em breve estará aqui analisadinho). É a única que me falta fazer aos 114 filmes que vi pela primeira vez este ano.

Como é sempre difícil escolher o filme do ano (e relembro que aqui refiro-me ao filme que vi este ano, que não tem necessariamente de ser deste ano) resolvi destacar 4 longas e uma curta, cada um deles na sua categoria e cada um deles passível de ser a minha escolha, se tivesse de fazer só uma.

Filme que mais recomendei a outras pessoas: Panique au Village
Filme que mais me surpreendeu (pela positiva, claro): Gravity Was Everywhere Back Then
Filme que mais me marcou: Les Petits Mouchoirs
Curta-metragem do ano: Golden Dawn
Longa-metragem do ano: Melancholia

E agora digam-me de vossa justiça. Qual é ou quais foram os vossos filmes do ano?
Em 2012 quero-vos a participar mais!

Bom ano para todos.

Dogtown and Z-boys

2011-12-30T18:51:00.000Z

Dogtown and Z-boys:

Dogtown and Z-boys é o chamado companion piece de um filme de ficção de 2005 chamado Lords of Dogtown. Foi porque vi esse filme (ainda antes deste estaminé existir), gostei dele e achar piada à cultura de surf/skate californiana que este documentário entrou no meu radar e, uma data de anos depois, finalmente o apanhei e o vi.

Baseado sobretudo em filmagens da época (anos 70, feitas maioritariamente por Craig Stecyk, jornalista que mostrou o novo skate ao mundo) e realizado por um dos jovens que retrata (Stacy Peralta), este documentário conta-nos a história de como um grupo de putos resolveu adaptar os seus conhecimentos de surf ao skate e, em consequência, mudou aquele desporto para sempre.

Sim, sabiam que antes da Zephyr Competition Team (nome oficial da equipa que originou esta revolução no skate) o skate era visto como uma moda tipo o yo-yo e que as competições se dividiam em duas modalidades: corridas slalom e acrobacias tipo ginástica rítmica mas em cima de um skate? Pois era assim mesmo e foi este grupo de jovens que mudou tudo quando participou nos Del Mar Skateboarding Nationals, em 1975. Foi a partir daí que se começaram a desenvolver as manobras que hoje se fazem no skate e, pouco depois, surgiriam as paredes das piscinas como local de eleição para fazer manobras.

Quanto ao público alvo deste filme é fácil circunscrevê-lo: quem achou que o último parágrafo está cheio de informação interessante devia ver este filme e é quase certinho que vai gostar (foi o meu caso) mas quem acha que a história do skate é tão interessante como ver a tinta a secar se calhar fará melhor em optar por gastar dinheiro (ou banda larga) noutro filme, que este tem baixa nota artística (parafraseando Jorge Jesus) e nem a quase-narração do Sean Penn (que chegou a conhecer alguns daqueles miúdos na época a que o filme se refere) ou as brevíssimas e largamente injustificadas aparições do Ian McKaye e do Henry Rollins vos vão salvar da epilepsia induzida pela edição no mínimo trepidante. A estes últimos sugiro, por exemplo, ver o tal Lords of Dogtown, é mais certinho e pode ser que vos incuta o gosto pelo skate.

Luftslottet som sprängdes

2011-12-29T20:45:00.000Z

Luftslottet som sprängdes:

Já aqui e aqui fiz SMR à primeira e segunda adaptações cinemáticas ao primeiro e segundo livros da saga Millenium, respectivamente. Se repararem bem em 2009 gostei muito do filme, em 2010 não e em 2011 ainda menos. Numa trilogia em que nos livros a qualidade se mantém, o segundo e terceiro filmes estragam o bom trabalho feito no primeiro.

Um bom advogado de defesa diria logo "têm de ver as coisas no seu contexto: enquanto que no primeiro e segundo filmes se adaptam livros com bastante acção neste terceiro a história anda à roda de uma pessoa acamada no hospital, em conversas entre idosos e nos bancos do Tribunal". Seria um bom argumento? Sem dúvida, e eu enquanto advogado apelidaria a opinião desse fictício colega como sendo "mui douta", no entanto o argumento acaba por não colher, na medida em que o problema deste filme não é a falta de acção, é o tentar enfiar tudo em 100 cenas de 30 segundos, em vez de apostar em 30 cenas de 100 segundos.

Não sei se seria caso para seguir a nova moda de transformar o último livro de uma saga em dois filmes, mas este problema que já tinha notado nos outros dois filmes (os livros estão pejados de informação e compreendo que seja difícil passar tudo para a tela) aqui então chega aos limites do desesperante, pois a sucessão de cenas e mais cenas faz com que não se tenha ligação com nenhum personagem (nem mesmo com a Lisbeth Salander, único ponto que se salva deste terceiro filme - parabéns Noomi Rapace), não se explicam as razões para nada, se ignoram totalmente personagens que não são assim tão secundários e se altera o procedimento criminal sueco de forma a permitir despachar a coisa o mais depressa possível. O ritmo do livro (que, na minha opinião, é o seu ponto mais forte) aqui é totalmente inexistente.

É certo que, como costumo dizer, não seria capaz de fazer melhor, mas é por causa desta tristeza de adaptação (leitores que leram o livro: vejam o que fizeram ao Niedermann e depois mandem-me um mail) que acabei de ver o filme com um sorriso na cara...há uma luz ao fundo do túnel.

A boa notícia é que daqui a poucos dias hei de ver o primeiro livro adaptado pelo David Fincher e cheira-me que neste caso a trilogia-remake americana vai acabar por ser melhor que esta.

The Devil's Double

2011-12-27T07:59:00.000Z

The Devil's Double:

Do realizador de xXx: State of the Union (Lee Tamahori) temos hoje um filme que nos conta a história - provavelmente baseada em factos reais - de Latif Yahia, um homem que teve o azar de nascer no Iraque e ser extremamente parecido com Uday, o filho mais velho do ditador Saddam Hussein. E digo que a história é provavelmente baseada em factos reais porque depois de o livro em que este filme é baseado ter sido publicado têm surgido dúvidas sobre a veracidade de muitas das coisas relatadas.

A história inicia-se quando Uday que está na altura de ter um duplo, que apareça por ele em locais públicos e que - caso necessário - leve os tiros que lhe eram destinados. Ora, no Iraque de Saddam Hussein o que Uday quer Uday tem e, não é tarde nem é cedo, Latif cai-lhe nos pés. Após ter sido aprovado pelo verdadeiro Uday Latif é informado que morreu, a partir de então será Uday, com tudo o que de bom e de mau isso tem.

De bom Latif recebeu o acesso aos melhores carros, palácios, mulheres, comida e bebida do Iraque, mesmo quando o resto do país estava na miséria. De mau, teve de testemunhar a loucura do homem que o forçou a sofrer várias cirurgias para tornar os rostos mais parecidos.

Quando digo loucura não uso a palavra livremente. Uday Hussein era a criança mimada dos infernos e até o seu pai o achava perigoso por ser demasiado descontrolado. Estamos a falar de uma pessoa que, segundo consta, raptava adolescentes de 13 ou 14 anos nas ruas de Bagdade, violava-as e matava-as, uma pessoa que matou um dos amigos do pai degolando-o com uma faca eléctrica num jantar de recepção ao Presidente egípcio, uma pessoa que enquanto presidente da federação iraquiana de futebol puniu os jogadores que perderam o playoff de qualificação para o Mundial forçando-os a pontapear bolas de cimento.

Sejam os dados contados por Latif verdade ou não (e mesmo que só metade seja verdade, já é mau o suficiente), o que interessa para este blog de cinema é o cinema e nesse aspecto a coisa não está tão má assim. Trata-se de um filme médio, com altos e baixos (por vezes é demasiado longo e perde-se, como tantos outros, numa história amorosa que deveria ser totalmente secundária) com um ponto muito positivo, a interpretação de Dominic Cooper.

Não só faz um duplo papel, enquanto Latif e Uday, como é perturbadoramente brilhante sobretudo na forma como interpreta este último. É um trabalho excelente que mereceria um reconhecimento que ou muito me engano ou não virá, perdido que ficará na torrente de filmes para a época dos prémios e por duas outras razões: já estreou há demasiado tempo e, mais importante ainda, o filme não ser mau mas também não ser bom. Noutras mãos seria uma desilusão, mas tendo em conta o passado do realizador até se torna uma surpresa positiva.

Paul

2011-12-24T23:59:00.001Z

Paul:

Paul é o novo filme do realizador de Superbad e Adventureland (Greg Mottola), um filme de que não gostei. Paul é o novo filme da dupla Simon Pegg/Nick Frost (responsáveis por duas das melhores comédias da presente década, Shaun of the Dead e Hot Fuzz). Paul é um extraterrestre em CGI cuja voz é emprestada pelo Seth Rogen. Paul é um filme fraco (a menos que o conceito de um extraterrestre constantemente a peidar-se e a dizer palavrões vos faça rir às gargalhadas). Paul é um filme que me foi recomendado pelo homem que fez obras na minha cozinha (e que tanto me falou da economia mundial como da estrutura gramatical da língua húngara). João é um crítico de cinema amador que devia ter percebido que isto ia ser mau, Paul é um filme muito fraco.

Feliz Natal para todos!

Humpday

2011-12-23T23:17:00.000Z

Humpday:

Imaginem que estão muito bem a dormir na casa que dividem com a vossa mulher e que às três da manhã de uma noite qualquer vos bate à porta, sem qualquer aviso, um amigo dos tempos da Universidade. Imaginem que esse amigo parece o Zach Galifianakis (mas não é, chama-se Joshua Leonard e foi uma das vítimas do Blair Witch Project). Imaginem também que no dia seguinte vão a uma festa com esse amigo (e sem a vossa mulher, que não fica muito contente com a história) e que, já bem bebidos e fumados, começam a desenvolver uma ideia para um projecto artístico: dois amigos heterosexuais terem sexo um com o outro, enquanto forma de expressar a sua amizade. Finalmente, imaginem que no dia seguinte, já sóbrios, debatem com o dito amigo o raio de ideia que tiveram na noite anterior. O que diriam?

Ora, os protagonistas de Humpday continuam a dizer que sim, não se sabe se devido a uma atracção homoerótica latente ou se por não quererem dar parte fraca numa espécie de chickie run de sexo gay. Eu, pela minha parte, sei que não só rejeitaria esse projecto artístico logo à partida como acho estranho que, nas circunstâncias concretas do filme (um dos amigos demonstra ser bastante averso a experimentações sexuais), estas duas pessoas seguissem em frente com o projecto.

Acima de tudo foi essa impressão de falta de razoabilidade de toda a situação que me afastou um pouco do filme. A sua estética indie funciona bem (em certos momentos deu-me a sensação de que este filme inspirou o This Movie is Broken) e não há nada particular que possa apontar como falha, mas realmente estes dois amigos poderiam ter sido dotados de maior inteligência...tal como nos filmes de terror de baixa qualidade em que todos fazem o que não devem fazer ("Ora deixa-me lá ir passear sozinha para a floresta, a meio da noite") também aqui me parece demasiado óbvio que numa situação real um deles diria que não e não havia mais conversa, mas também já não havia filme.

A Separation

2011-12-23T03:14:00.000Z

A Separation:

A cena inicial deste filme iraniano que este ano venceu o Urso de Ouro (maior prémio da Berlinale) é, em conjunto com a sua cena final, uma visualização perfeita do estado da relação entre Nader e Simin. Enquanto que no início este casal discute a possibilidade de divórcio sentados um ao lado do outro no final ambos estão calados, mais calmos mas afastados e separados por uma porta de vidro partida.

Numa tentativa de buscar metáforas para essa pujante imagem final poderia dizer que o vidro partido simboliza o que se passa durante as duas horas de filme. Algo se quebrou naquela relação e, tal como o vidro partido não pode ser reposto, também a decisão final será - de acordo com as leis iranianas - irredutível.

No início parece haver ainda uma ligação entre os dois. Simin (Leila Hatami) deseja sair do Irão e finalmente tem a hipótese de o fazer, só que no Irão uma mulher não pode sair sozinha e um filho menor não pode sair sem autorização do pai. O consentimento de Nader (Peyman Maadi) é fulcral e este mostra-se irredutível, não sairá do Irão mas também não vai obrigar a mulher a continuar a viver consigo.

A principal razão pela qual Nader não sai é o seu pai, doente de Alzheimer e completamente dependente. Tanto que, quando Simin sai de casa, Nader se vê forçado a contratar alguém que tome conta dele enquanto está trabalhar e aí é que vai começar todo o efeito bola de neve que só acabará, literalmente, quando os últimos créditos rolam e as luzes se acendem.

A pessoa escolhida para tomar conta do pai é Razieh (Sareh Bayat), uma mulher profundamente devota que está grávida e que esconde ao marido o facto de estar a trabalhar a dias por medo da sua reacção. Os pormenores da gravidez e das reacções do marido virão a ser extremamente importantes para a história, mas não vou por aí agora.

O grande mérito deste filme é ter uma das histórias mais interessantes que vi neste último ano. Conseguindo balancear perfeitamente o quase surreal da situação com a possibilidade dela poder mesmo acontecer (particularmente num país como o Irão), o realizador Ashgar Farhadi - mais um exemplar da vitalidade do cinema iraniano - consegue transmitir-nos realisticamente uma história que contrapõe a irredutibilidade de uns às dúvidas e temores de outros, num país cujas leis fazem com que cada acção ou palavra, por mínima que seja, pode ter consequências muito sérias.

Quando me ponho a pensar o que faria no lugar de Nader penso se não agiria precisamente da mesma forma. Se é verdade que não olhou a meios para atingir o seu fim, o facto de (muito provavelmente) ter razão faz-me pensar se não terá feito o que devia fazer. Por exemplo, se calhar estão a achar que esta SMR está especialmente críptica e que ficaram sem perceber sobre o que é o filme mas eu digo-vos que o meu intuito era precisamente esse: este é um filme cuja magia deriva do desenrolar da sua história e não vos quero privar da magia do cinema. É um grande filme que no final pode separar os seus protagonistas por um vidro partido, mas que a nós nos recebe sem um mínimo véu.

Terri

2011-12-20T18:00:00.000Z

Terri:

O poster deste filme apresenta-o como sendo dos mesmos produtores de Half Nelson e essa é, realmente, uma boa associação a fazer. Se repararem até a nível de cores são parecidos e ambos têm como pano de fundo uma escola. No entanto, aqui trata-se mais do aluno do que do professor.

Terri (Jacob Wysocki) é um jovem mal inserido no tecido social de um liceu que poderia ter como aluno Napoleon Dynamite. Pelo seu tamanho fora do normal, pela sua vida caseira fora da norma suburbana americana e por não se preocupar com as suas aparências Terri está fora do mundo dos seus colegas de escola: os seus dias são passados em solidão até que há alguém que se preocupa, o director da sua escola Mr. Fitzgerald (John C. Reilly).

O Mr. Fitzgerald é um daqueles directores bonacheirões (como eu não tive) que, segundo conta a Terri, não tem memória suficiente para conhecer todos os seus alunos, pelo que se preocupa apenas com os muito maus e com os muito bons (a nível de personalidade, não de notas) e Terri é um dos muito bons.

Para acompanhar melhor o que se está a passar na vida do seu aluno Mr. Fitzgerald decide organizar uma reunião semanal, igual àquelas que já tinha com outros dos seus alunos "especiais" e é dessas reuniões que vão surgir as primeiras amizades de Terri naquela escola, com o Mr. Fitzgerald e com Chad (Bridger Zadina, um jovem actor desconhecido mas com uma interpretação de bastante qualidade), um colega com claros problemas psicológicos. Posteriormente surgirá ainda Heather, uma menina popular caída em desgraça a quem Terri acode.

Toda a história de Terri é marcada pela melancolia e pela crueza (mais um paralelismo com Half Nelson e com Blue Valentine, outro filme citado no poster) e não são poucas as vezes em que nos sentimos desconfortáveis com a vida que aquele(s) jovem(ns) vive(m) e no final da história Terri parece estar pior do que no início. Talvez esteja mais próximo dos demais colegas de escola, mas pior e, nesse sentido, não vejam este filme como uma história de salvação, Terri parece estar no seu mundo e tal como não parece ligar ao que se passa na sua vida também o filme não parece ligar muito ao que aqueles que o veem pensam.

One Day

2011-12-19T20:31:00.000Z

One Day:

One Day é baseado num romance de um autor inglês chamado David Nicholls, um romance que conta a história da amizade entre um homem e uma mulher ao longo de 20 anos usando como estratégia o relatar-nos o que se passou no dia 15 de Julho de cada um dos anos. É um daqueles livros que alcançou o estatuto de best-seller permanente e, se viajaram de avião desde 2009 é bem provável que tenham visto a sua capa numa qualquer livraria de aeroporto.

Com este estatuto era mais que óbvio que de livro iria passar a ser filme, e heis que cá está ele. Convida-se a Anne Hathaway para fazer de amiga, o Jim Sturgess para fazer de amigo, uma realizadora dinamarquesa (Lone Scherfig, que em tempos fez parte da "escola" do Lars von Trier) e siga para bingo. O que se esqueceram foi de fazer do filme algo de interessante.

Não li o livro, apesar de confessar que numa das minhas viagens também eu o comprei numa livraria de aeroporto, mas depois de ter visto o filme confirmo aquela sensação que sempre tive desde que o comprei: não deve valer muito a pena. É verdade que normalmente os livros são melhores que os filmes que os adaptam e que é bem possível que tenha sido o filme a estragar a história (por muito bom que seja o marketing o livro há de ter alguma coisa de bom) mas mesmo assim não obrigado.

Não é que o filme seja péssimo...acredito que até seja uma escolha ideal para uma ida romântica ao cinema, mas existem demasiadas falhas que me irritaram.

A primeira delas (lembrem-se do nome deste blog e que por isso embirro com o que bem me apetecer) são os óculos de Emma, personagem da Anne Hathaway, uma mistura de Harry Potter com hipster via anos 80. Mas pior que isso (até eu admito que os óculos só por si não estragam o filme por completo) são as interpretações...é que ao contrário do que se passa no último filme que analisei aqui as personagens principais são mal interpretadas (e olhem que eu sou dos que gosta muito da Anne Hathaway) e têm uma pronúncia inglesa tão estranha que ou eu perdi toda a minha capacidade de entender aquela língua ou algo correu muito muito mal.

Ora, é um facto que não percebi para aí 50% dos diálogos (só vos posso aconselhar que vejam o filme com legendas, se o quiserem entender) mas também é facto que a nossa amiga Anne ganhou o prémio de pior sotaque do ano pela revista Empire (o Jim Sturgess é inglês, por isso provavelmente não se qualificou para esse prémio) pelo que vou apostar na segunda.

Este grande problema (maior ainda que os óculos de Emma) fez-me perder toda a ligação com uma história que, vista noutro contexto, poderia ser interessante. Já tenho idade suficiente para ter alguns amigos há mais de 20 anos e imagino como seria a história das nossas amizades contada dessa forma.

Carnage

2011-12-18T17:31:00.000Z

Carnage:

Quando estive em Nova Iorque o ano passado fui várias vezes a uma agência de bilhetes tentar comprar lugares para a peça que na altura estava mais bem cotada. Chamava-se God of Carnage e era baseada num texto (em francês, no original) da autora Yasmina Reza. Quase dois anos depois a peça aparece-me à frente em forma de filme, agora chamando-se só Carnage, realizada pelo Roman Polanski e com o melhor conjunto (ensemble) de actores deste ano.

É uma peça fácil de adaptar e por isso mesmo senti que vi o que havia perdido em Nova Iorque. Toda a história passa-se dentro de quatro paredes, no apartamento do casal Longstreet, algures em Brooklyn. A esse apartamento desloca-se o casal Cowan, para debater como lidar com o facto de o filho Cowan ter agredido o filho Longstreet. O filme, tal como a peça, é apenas o desenrolar da conversa entre aquelas quatro pessoas e não funcionaria se não tivesse um excelente conjunto de actores dirigidos por um excelente realizador.

Felizmente tudo isso existe neste filme, já que ao Roman Polanski juntaram-se a Jodie Foster e o John C. Rilley para fazer de casal Longstreet e a Kate Winslet e o Christoph Waltz para fazer de casal Cowan. E estão todos ao seu melhor nível, tenho de vos dizer.

Um erro que vinha a fazer desde que ouvi falar da peça até ter visto o filme era que se tratava de um texto dramático quando na verdade pelo menos o filme é uma comédia. A harmonia inicial, em que os casais se tratam com a devida cortesia e boas maneiras, rapidamente desaparece e, com algum álcool à mistura, começam a surgir aqueles momentos em que decerto os personagens pensariam "eu não devia dizer isto" mas dizem à mesma. No final, saímos do apartamento dos Longstreet e da sala de cinema com a ideia de que aquela conversa não correu de todo como deveria ter corrido.

Felizmente este não é um daqueles casos em que a comédia é involuntária. Tal como se calhar aconteceria se filmassem uma discussão nossa com os nossos pais/namorados/marido ou mulher a discussão que se desenrola naquele apartamento é dramática para aqueles que nela participam mas, vista de fora e com o devido distanciamento, é deveras divertida. Carnage consegue manter esse delicado equilíbrio por força das seis personalidades a ele ligadas (os quatro actores, o realizador e a Yasmina Reza, que adaptou a sua peça para o cinema) e será com certeza um dos títulos mais repetidos nas noites de entrega de prémios.

Hiroshima mon amour

2011-11-30T19:49:00.000Z

Hiroshima mon amour:

Hiroshima mon amour é um filme de 1959 que ficou na história do cinema. Tem dois personagens, um homem e uma mulher (que, por não terem nomes, vou chamar de Ele e Ela) e uma cidade que todos conhecemos pelos piores motivos: Hiroshima, Japão.

Ela (Emmanuelle Riva) é uma actriz francesa que está em Hiroshima cerca de 10 anos depois da sua destruição para filmar um filme. "Sobre o quê?" pergunta Ele. "Sobre a paz. Sobre que mais se pode filmar em Hiroshima senão sobre paz?" A resposta foi dada por Alain Resnais, realizador de Hiroshima mon amour, ao deixar a paz de fora e filmar antes a convulsão interior de se estar preso ao passado.

Antes deste filme Resnais era sobretudo conhecido pelo seu documentário Nuit et Brouillard, sobre os campos de concentração nazis. Na altura em que foi convidado para filmar em Hiroshima a ideia era fazer um documentário sobre o pós-bomba atómica. Na altura o realizador achou que não conseguiria distanciá-lo suficientemente do seu anterior trabalho e a opção narrativa começou a ser explorada.

Os dez a quinze minutos iniciais são o mais parecido com um documentário que acabamos por ter; Ele e Ela abraçam-se (ainda sem nos terem sido apresentados) e, enquanto imagens da cidade nos vão sendo mostradas, debatem em voz-off as experiências dela na cidade: ela garante conhecer a sua verdadeira alma, ele diz-lhe que não, que não viu nada em Hiroshima

Passados esses minutos iniciais a narrativa avança e o estilo documentarial fica para trás, mas não as conversas entre Ele e Ela. A sua relação é fugaz mas intensa, Ela revê n'Ele o amor que perdeu em Nevers e nos sentimentos que Ele lhe desperta a loucura com que foi apossada quando esse amor cessou a sua existência. Ela, falando, liberta-se dos seus demónios ("tu me tues, tu me fais du bien") enquanto que Ele (Eiji Okada), maioritariamente ouvindo, alimenta uma paixão que o seu casamento já perdeu. A paixão face à impossibilidade do futuro.

Hiroshima mon amour ficou na história do cinema por vários motivos, desde o (até então inexistente) uso de rápidos flashbacks como forma de retratar a memória dos personagens até ao fabuloso e constante diálogo escrito pela Marguerite Duras. É um filme que não apelará à maioria dos espectadores actuais (é vagaroso e usa o paralelismo e a repetição como figuras de estilo preferenciais) mas que recompensa quem tenha paciência, vontade e/ou desejo de o ver com 89 minutos de grande, e histórico, cinema.

Nota curiosa: Foi precisa ir à cinemateca de Berlim para ver um filme francês filmado no Japão que estive para comprar em dvd quando vivia nos EUA. Adoro a globalização!

The Kite Runner

2011-11-29T19:42:00.000Z

The Kite Runner:

Um filme facilmente esquecível de um realizador (Marc Forster) que tem no currículo dois filmes que me marcaram bastante, Monster's Ball e Stranger Than Fiction. Trata da relação entre Amir, filho da elite do Afeganistão pré-invasão soviética, e Hassan, filho do seu "mordomo".

É um filme com uma ou duas cenas interessantes (nomeadamente a forma como são filmadas as batalhas de papagaios) mas que se perde em histórias que não interessam nada (toda a parte da vida de Amir na Califórnia) enquanto deveria focar-se apenas e só na dualidade cobardia/lealdade entre os dois. Quando o que retive na memória foram os créditos iniciais o filme que se lhes seguiu só pode ser classificado como fraquinho.

Sempre é melhor que mau, certo?

And Again

2011-11-27T16:49:00.000Z

And Again:

Esta é a história de Playas, New Mexico. Antigo posto de repouso dos cowboys americanos, Playas cresceu e muito nos anos 70, quando foi decidido desenvolvê-la enquanto dormitório dos trabalhadores de uma mina existente nas proximidades...chegou a ter 1000 habitantes.

Entretanto os tempos mudaram, em 1999 a mina foi fechada e a cidade foi morrendo aos bocadinhos. Os resistentes tiveram de encontrar outros empregos e quatro anos depois (em 2003, portanto) a salvação chegou sob a forma de uma das coisas mais estranhas de sempre: a cidade foi comprada pela universidade New Mexico Tech que, em colaboração com o EMRTC*, por lá criou um centro de treinos para resposta a ataques terroristas. A função dos que lá vivem? Fingir que são os terroristas/vítimas e não ligar ao facto de um belo dia poderem estar a jantar e entrar uma equipa da SWAT pela casa adentro.

Sim, leram bem, os habitantes de Playas, New Mexico são pagos para, dia após dia servirem de figurantes em simulações de combate para o exército ou polícia locais. Um deles, de aparência a dar para o Médio Oriente, foi escolhido para ser o terrorista e basicamente é preso todos os dias para ser solto uns minutos depois.

"Que coisa mais bizarra, vai dar um grande documentário", pensou a realizadora. Pena é que não tenha tido engenho ou audácia para fazer melhor, se a história de fundo é interessante tudo o resto deixa muito a desejar. Em primeiro lugar nunca são ouvidos os militares/polícias que lá treinam (uma perspectiva que, pelo menos para mim, seria importante), depois as imagens usadas são permanentemente fracas (desde as filmagens dos treinos, que parecem um filme tipo Ninja das Caldas, às ridículas interpretações da história da cidade, que só ocupam tempo) e tudo isto é unido por uma montagem muito, muito, mas muito fraca.

O trabalho de um documentarista é descobrir uma história para contar e contá-la, e muitos dirão que o que interessa é o que se conta, não como é contado, mas neste caso posso dizer-vos que se tivessem tido mais cuidado com o "como" este filme teria mais exposição e a bizarra história de Playas, New Mexico seria conhecida por mais gente. Assim não vai passar de um daqueles pedaços de informação que podem vir a ser usados em conversa por aqueles (creio que poucos) que acabem por a conhecer.

*Energetic Materials Research and Testing Center

30 Minutes or Less

2011-11-24T21:02:00.000Z

30 Minutes or Less:

30 Minutes or Less é a história de Nick, um loser que entrega pizzas muito para além da adolescência e que um dia vê colete bomba colocado em si por dois homens que o obrigam a assaltar um banco por eles. Se fizer asneira explode, se não assaltar o banco num determinado número de horas explode, se chamar a polícia explode. É realizado por Ruben Fleischer, realizador do Zombieland, um filme com o mesmo protagonista que este (Jesse Eisenberg, que devia ter ficado pelos lados do Social Network) e que é uma excelente comédia baseada num tema normalmente não cómico: zombies. Aqui a ideia era fazer do drama da situação de Nick e do assalto ao banco uma comédia.

Dito isto, apresento-vos a história de Brian Douglas Wells, um entregador de pizzas em Erie Pennsylvania. Brian tinha 46 anos no dia em que morreu (continuou a entregar pizzas bem para além da sua adolescência, diria eu). E como é que morreu, perguntam vocês? Explodiu com uma bomba presa ao pescoço, bomba essa que foi colocada por dois homens que o forçaram a assaltar um banco por eles, sob pena de morte.

Segundo sei a Columbia (distribuidora do filme) mantém que os argumentistas não basearam o argumento deste filme nessa história e no final dos créditos até aparece o famoso disclaimer "This is a work of fiction (...) any similarity to the history of any person is entirely coincidental and unintentional". Existem algumas diferenças entre as duas histórias, sim, mas essa afirmação é falsa, este filme é de um mau gosto tão grande e só o posso desaconselhar a qualquer pessoa que saiba da história verdadeira, nomeadamente àqueles que acabaram de a ler através deste blog.

Não sou nada de censuras e até me considero um grande fã de humor negro, mas acho que a história de Brian Douglas Wells deveria ter tratada doutra forma e a sua memória merecia mais respeito. Para além disso, uma comédia supostamente tem piada e esta não tem nenhuma.

Drive

2011-11-21T18:56:00.000Z

Drive:

Li na Empire deste mês que uma mulher americana processou os produtores deste filme por, aparentemente, o trailer parecer que se trata de um filme tipo The Fast and The Furious. Para eu próprio não ser processado deixo já o aviso: apesar do título e do que eventualmente possam achar do trailer, este não é um filme sobre condução de carros a alta velocidade.

Exemplo disso é a cena inicial, talvez a segunda melhor perseguição automóvel mostrada no cinema (a seguir ao Bullit, claro) mas que se caracteriza por ser metódica e não pela testosterona. Quem conduz o carro nessa altura é o Ryan Gosling, na pele de um duplo de cinema que faz uns biscates enquanto condutor de fugas após actividades, digamos, menos legais. Como ele diz aos potenciais clientes: ele não faz nada e não pega em armas, mas dêm-lhe uma janela de cinco minutos e podem contar com ele para o que quer que aconteça durante esses cinco minutos.

Este personagem interpretado pelo Ryan Gosling (um dos melhores actores desta nova geração? Assino por baixo!) não tem nome e é de muito poucas falas. A ideia do realizador (Nicolas Winding Refn) e do argumentista (Hossein Amini, baseado num livro de James Sallis) é deixar-nos sem saber quem ele é verdadeiramente pois ele próprio não sabe bem quem ou o que é.

Algo que fica bem definido, porém, é a sua ligação a Irene (Carey Mulligan) e ao filho, seus vizinhos e o mais próximo que parece ter tido de uma relação humana. Uma ligação tão forte que quando o marido de Irene volta para casa depois de ter passado uns tempos na prisão o nosso protagonista acabar por o ajudar, para que indirectamente Irene e o filho possam ser mais felizes.

Mas, como diz a tagline do filme "there are no clean getaways" (não há fugas fáceis). As coisas correm mal e muito vai ter de ser feito para proteger aquela mulher e aquela criança inocentes.

Desde a banda sonora (excelente) à fotografia, passando pelo guarda-roupa e pela forma como os silêncios são geridos, este filme é acima de tudo cool e impressionista. É por isso que estou com aqueles que o interpretam como tendo bastante mais para além da superfície. Para além de um filme de gangsters (que por vezes consegue ser bem violento, fica o aviso) Drive tem uma outra dimensão mais profunda mas que não é necessária para que saíamos satisfeitos da sala de cinema. Numa comparação meio simplista, pensem no Pulp Fiction.

Não é que Driver seja tão bom ou venha a ser tão influente como a obra-prima do Tarantino, mas enquanto filme desse género (que não consigo bem definir) é mesmo capaz de ser o melhor desde 1994 e não posso deixar de o recomendar a quem gosta de filmes nesta onda.

Bridesmaids

2011-11-19T15:08:00.000Z

Bridesmaids:

Aqui há coisa de dois anos e meio estava no Porto com uma amiga e fomos ver o The Hangover. Eu gostei imenso (achei-o uma das melhores comédias dos tempos mais recentes) e ela não lhe achou piada nenhuma...daí, e de outras conversas com amigos e leitores aqui do estaminé, concluí - simplisticamente - que se tratava de um filme sobre gajos, para gajos. Esta minha conclusão vem agora abaixo com Bridesmaids, uma comédia ao estilo do The Hangover (não é por acaso que a Empire lhe chama The Hangovaries), com gajas (por contraposição a gajos) mas que não é só para gajas.

Aliás, se tivesse de optar por um único género, diria que esta é uma comédia para gajos. Felizmente não tenho e posso dizer-vos que se trata de uma comédia para todas as pessoas (independentemente do género) que gostam de rir. É uma comédia inteligente que mostra às senhoras do Sex and the City que se pode basear um filme cómico num grupo de mulheres com cabeça e aversão à futilidade.

A história é já nossa conhecida: duas amigas de infância; uma delas casa-se, a outra é madrinha; peripécias para organizar o casamento e a despedida de solteira. Sim, também tem uma sub-história amorosa e uma ou outras piadas que falham, mas esta é uma comédia que, ao contrário de tantas outras, distribuí piadas em quantidade e qualidade suficiente para nunca perder o interesse.

A diferença entre esta e outras comédias é que esta resulta, não vos sei dizer bem porquê mas muito por força da excelente interpretação da protagonista, Kristen Wiig. A ideia que passa é que não está a interpretar uma personagem mas sim que está a ser ela própria, e não é por acaso que depois aprendemos que tambén foi ela a argumentista do filme. Ora, se há algo importante na comédia é a espontaneidade (ou a impressão de que ela existe) e - provavelmente - é mesmo isso que faz com que filmes como este ou o Hangover sejam tão bem sucedidos: quando os vemos vemos um grupo de actores (ou actrizes) a divertir-se verdadeiramente, não a interpretar os seus papéis.

Pena é, portanto, que algumas cenas tenham sido forçadas pela produtora...não vos digo quais mas se virem o filme conseguem logo perceber, pois são as únicas que se destacam pela artificialidade. Sabem quando estão num grupo de amigos, a rir sabe-se lá do quê, até que alguém diz algo tão forçado que deixa de ter piada? Nessas situações, tal como deveria ter acontecido neste filme, o melhor seria deixar a conversa fluir e tentar não interferir com o fluir natural da conversa.

Beginners

2011-11-17T21:31:00.000Z

Beginners:

Se analisarmos qualquer tipo de arte vemos que muitas vezes esta se rege por ciclos ou, noutra palavra, por modas. No cinema actual existem algumas modas também, sendo que uma delas foi (re)iniciada por filmes como o (500) days of Summer: histórias de amor com personagens a dar para o artístico/alternativo e com uma ou outra cena que parece fora de contexto mas que está ali apenas para mostrar o quão fixe/alternativo o filme é.

Se no caso do (500) days of Summer a coisa resultou (ao ponto de iniciar a tal moda) em Beginners a tentativa demasiado forçada de seguir esse estilo acaba por prejudicar a avaliação final que lhe posso fazer. Neste filme o total é inferior à soma das partes, diria um crítico de cinema com especial propensão para analogias matemáticas.

Se descontarmos esse esforço estilístico ficamos com uma história de amor entre uma rapariga daquelas que só são possíveis de conhecer nos filmes e um rapaz mais normal e profundamente pessimista no que toca a relações pessoas. Talvez por influência da falta de amor no casamento entre os seus pais, Oliver (Ewan McGregor) tem por hábito achar que tudo vai correr mal e, em consequência, sabotar o que estava bem até que passe a estar mal. Já Anna (Amélie Laurent, que conhecem do Inglourious Basterds) parece estar mais disponível para assentar e partilhar a vida com alguém, mesmo apesar de ter um pai também ele desiquilibrado emocionalmente.

Falo muito de pais porque um deles é uma peça central neste filme. Hal, pai de Oliver, esteve casado quase 50 anos com Georgia, mesmo sabendo que era gay, e é só depois da morte da sua mulher que - aos 75 anos - decide curtir a vida e experimentar a sua sexualidade em pleno.

Assim dito, poderia parecer que Hal (o grande Christopher Plummer) serve apenas de escape cómico à história, mais amarga, do seu filho, mas felizmente o filme não é assim tão simplista. Depois de receber as piores notícias que se pode receber (c-a-n-c-r-o) Hal e o filho aproximam-se mais e, como que numa nova infância, Oliver acaba por aprender bastante com a forma como o pai lida com as dificuldades da vida.

E é essa a alegre mensagem que este filme triste me passou. Por muito má que vida seja, podemos sempre fazê-la melhor e por muito boa que seja há sempre quem a sabote e a torne pior. Mais do que os desenvolvimentos amorosos entre Oliver e Anna, interessou-me a relação entre pai e filho e é dela que retiro a sensação positiva com que fiquei quando a luz se acendeu.

La Piel Que Habito

2011-11-14T20:13:00.000Z

La Piel Que Habito:

Apesar de ter um dos posters mais feios dos últimos tempos lá fui eu ver o último filme do Almodóvar. Nem poderia deixar de ser, aliás, já que o Almodóvar é um daqueles realizadores dos quais faço questão de ver todos os novos filmes.

Curiosamente, este "film de Almodóvar" (como costuma apresentar sempre os seus filmes) é o menos Almodovariano até agora. Muitos fazem conexões aos thrillers do Hitchcock, com alguma razão, mas a história em que mais pensei foi na do Dr. Frankenstein. Aqui o Dr. Frankenstein chama-se Robert Ledgard, um cirurgião plástico residente em Toledo e que esconde um segredo dentro das paredes da casa em que vive.

Robert (António Banderas, que ao fim de quase 2 décadas volta a trabalhar com o realizador que o fez famoso) tem um projecto: criar uma super-pele artificial, resistente a queimaduras, picadas de insecto e sei lá mais quantas coisas. Quando apresenta o seu projecto à comunidade científica recebe tantos elogios como dúvidas em relação ao facto de fazer experimentação animal e, passado pouco tempo, é a própria academia espanhola de ciências que o proíbe de continuar. Acho que é escusado dizer-vos que continua...

Toda a atmosfera do filme é de tensão (daí as referências aos filmes do Hitchcock, presumo) enquanto voltamos atrás no tempo e conhecemos os motivos para que Robert tenha iniciado a sua experiência, o vemos a desenvolver a tal pele sintética e, finalmente, a pôr os conhecimentos que obteve em prática. No final, quando todas as peças do puzzle estão no sítio certo e a situação se resolve (o melhor possível, dadas as circunstâncias) os créditos começam a rolar e os espectadores ficam com uma de duas sensações: ou alívio e satisfação por Vera Cruz (Elena Anaya) ter conseguido o que tanto desejava e merecia ou enjoos por causa de algumas cenas anteriores.

Sim, porque aqui as famosas cores quentes do Almodóvar incluem o vermelho sangue e a sua excelente forma de transmitir sentimentos é bem aproveitada para explorar o medo e, mais tarde, a dependência dos personagens. Este não é um filme de terror daqueles que nos fazem saltar da cadeira mas - a meu ver - não deixa de ser um filme de terror. As provações porque Vicente (não vos digo quem é de propósito) passa são menos imediatas que as de personagens perseguidos por um louco com uma moto-serra mas, talvez por isso, mais intensas.

Em conclusão, este é um filme atípico: um Almodóvar que não é "um Almodóvar"; um filme de terror que ainda assim recomendaria à minha mãe e um bom filme que não cabe no meu top 3 Almodóvariano. Mais um exemplo de como as diferentes facetas se equilibram no meio caminho entre o brilhantismo e o esquecimento? Tem uma interpretação verdadeiramente fantástica (Bianca Suárez) mas também tem actores não portugueses/brasileiros a falar o português mais atroz da história do cinema. E aquele poster, aquele poster que parece ser feito para que as pessoas não queiram ver o filme!

The Adventures of Tintin

2011-11-12T23:21:00.000Z

The Adventures of Tintin:

Era uma vez um pirralho chamado João Moreira. Esse pirralho tinha uns 11 anos quando alguém lhe deu o seu primeiro livro do Tintim (O Segredo do Licorne, curiosamente o livro em que este filme mais se inspira) e com esse livro ficou viciado. 22 dos 23 livros depois e cerca de 18 anos depois, esse pirralho já é adulto e vai ver a mais recente adaptação do mais famoso repórter (animado) belga. O que é que o ex-pirralho achou?

Achou que o ter lido tantas e tantas vezes as aventuras de Tintim fez com que o filme não fosse perfeito. É um problema recorrente na adaptação de livros: cada fã tem a sua ideia sobre os cenários ou sobre as vozes dos personagens, por exemplo. Neste caso a questão dos cenários não é relevante, uma vez que todos os vemos nos livros originais, mas a questão das vozes fez-me um bocado confusão.

Nem sequer é uma crítica, mas ouvir o Tintim a falar com pronúncia inglesa é um pouco estranho quando se sabe que o personagem é belga e sempre o ouvimos falar português com a nossa própria voz. Percebem o que quero dizer? Na mesma onda, faz-me confusão ouvir chamar a Milu de Snowy...Talvez este seja um filme no qual seria melhor ver a versão dobrada em português do que o original em inglês, não porque o original esteja mal - repito - mas para ser mais parecido com o Tintim que conheço há tantos anos.

"E para alguém que nunca teve ligação nenhuma ao Tintim, o filme vale a pena ou não?" perguntam vocês e muito bem. A minha companhia nesta sessão conhecia o Tintim mas nunca ligou minimamente aos livros e, perguntando-lhe o que achou, disse-me que era uma boa história de aventuras, ao mesmo tempo mais infantil e mais violenta do que estava à espera. Acho que é uma boa forma de definir o filme: aventuras pipoca (este é, sem dúvida, um chamado filme-pipoca) para miúdos já meio crescidos e graúdos não demasiado sério.

Em tempos Hergé disse que o único realizador capaz de fazer justiça aos seus livros era o Steven Spielberg. Entretanto já morreu e não pode opinar se tinha ou não razão quando disse isso: eu acho que sim. Muitos dos filmes do Spielberg são apontados precisamente para o público alvo destas aventuras e não são poucos os que vêm paralelismos entre a saga Indiana Jones e o Tintim. Spielberg é sem dúvida a escolha acertada para nos contar estas histórias no grande ecrã e a animação (ou, mais precisamente, o motion capture, que eu sou daqueles que percebe a diferença) o meio mais apropriado. Neste filme o mundo criado por Hergé está perfeitamente recriado e os seus personagens icónicos inteiramente respeitados, mesmo não tendo muito tempo de antena - tirando o Tintim (Jamie Bell, "o" Billy Elliot) e o Capitão Haddock (o meu favorito, intepretado por um brilhante Andy Serkis).

Dado o sucesso que este filme está a ter nas bilheteiras (sendo que ainda não estreou em muitos sítios) já foi anunciado que existirão sequelas. A primeira delas vai ser realizada pelo Peter Jackson (que produz este filme) mas contará com a participação do Spielberg enquanto produtor. Não sei qual será o ou os livros que adaptará, eu vou estar lá para a ver. A minha relação com o Tintim vai continuar.

Férias (ou algo parecido)

2011-11-08T18:28:00.000Z

Olá olá!

Venho pelo presente avisar os meus queridos leitores de que continuo vivo e de boa saúde. Estou a gozar de umas férias (ou algo parecido) e conto publicar as cinco SMR que tenho atrasadas algures durante a próxima semana.

Até lá!

There Once Was An Island

2011-10-29T23:59:00.040+01:00

There Once Was An Island:

Antes de escrever outras coisas tenho de fazer um aviso: sou apaixonado por ilhas remotas e este filme é sobre uma. A minha opinião pode ter sido influenciada por isso, até porque - não duvidem - passei o filme todo a pensar que um dia queria ir ali. Dito isto, venha a SMR propriamente dita:

Houve em tempos uma ilha, diz-nos o título deste filme. Mas na verdade essa ilha ainda existe, pelo que têm de perceber o verdadeiro sentido do título... Era uma vez uma ilha, chamada Nukutoa, situada no atol de Takuu, território da Papua Nova Guiné mas tão isolada que os seus habitantes têm a sua própria língua e praticam uma religião descrita como a última religão polinésia dos tempos pré-contacto com os exploradores ocidentais ainda intacta.

Essa ilha tem cerca de 400 habitantes e todos eles se debatem com uma questão que pode, a médio prazo, ser de vida ou de morte: a ilha tem uma altitude média baixíssima e por isso tem vindo a sofrer e muito com o aquecimento global. Muitos temem que em breve deixe de existir, por força das cada vez mais frequentes cheias provocadas pelo aumento do nível médio do mar. A tal questão de vida ou de morte é saber se devem ficar ou partir para outra ilha, para uma reserva designada para eles pelo Governo da Papua Nova Guiné.

Para os ajudar a resolver este dilema, uma ilhoa (SMR, a ensinar-vos novas palavras desde 2009) que vive "na civilização" decide pedir ajuda a dois cientistas neozelandeses. Estes acabam por passar uma temporada na ilha a investigar as causas do problema e as possibilidades de o resolver. As conclusões a que chegam não são conclusivas (passe o pleonasmo): são dois e cada um tem uma ideia diferente, pelo que a comunidade continuou tão dividida como estava.

O realizador (Briar March) não caem no erro de nos apontar numa direcção. Mostram-nos o problema (e há imagens das cheias que são verdadeiramente angustiantes), apresentam-nos as soluções e apresentam-nos o ponto de vista de muitos daqueles para os quais a decisão é inevitável. O espectador logo decide se quer ou não ter uma opinião.

Aquelas 400 pessoas têm de escolher em breve. As cheias são cada vez maiores e mais frequentes, mas por outro lado o mudarem-se para outro lado implica acabar com o modo de vida que sempre conheceram e que os seus antepassados lhes ensinaram. Entretanto vão ficando, com o coração nas mãos, numa ilha de uma beleza incrível e que - como disse ali acima - me deu imensa vontade de visitar. É nestas alturas que penso que deveria ter seguido uma profissão ligada à natureza.

Filme no âmbito do DocLisboa 2011. Passou hoje e no dia 26, o que quer dizer que já não o vêem nesta edição do festival. Com sorte apanham-no noutra altura.

Golden Dawn

2011-10-27T22:57:00.001+01:00

Golden Dawn:

Que grande filme! A sério, que grande grande filme! Dura só 16 minutos mas esses 16 minutos foram suficientes para me encher de vontade de fazer o meu próprio documentário. Haverá melhor elogio que se possa dar?

Golden Dawn apresenta-nos o quotidiano de um grupo de pescadores holandeses algures no Mar do Norte, enquanto tentam ganhar a sua vida naquela que é uma das mais antigas profissões do mundo. O tema em si não difere muito de alguns programas que passam no Discovery Channel, agora que a pesca de alto mar virou moda, mas aqui - ao contrário do que costumo fazer - vou dar mais valor à forma que ao conteúdo.

É que este filme é de uma beleza imensa. Ao mesmo que é frio e maquinal (a pesca e os pescadores não são os temas mais charmosos de sempre) consegue ser, palavras do resumo do Doc, poético na forma como retrata esta actividade. Vê-se que não foi uma obra de realização complexa (diria que foi filmado com uma câmara daquelas que se podem comprar nas lojas) mas a atenção dada à composição de todas as cenas/todos os frames é tanta e a banda sonora, de Filipe Felizardo, é tão boa que conseguem transformar o despejar de duas redes de arrasto numa dança. Repito, o filme acabou e eu só pensava em que temas poderia mostrar num documentário de estilo semelhante.

Maaaaaaaaaaaaaaaas, apesar de todos os elogios que já lhe dei tenho de dar um valente puxão de orelhas à realizadora (Salomé Lamas) por ter deixado que os quadros explicativos finais (não sei que outro nome lhes dar) viessem público com tantos erros de inglês: "Mi" em vez de "My" ou "To" em vez de "Too" e, ainda pior, "No mi son" em vez de sei lá o quê são falhas imperdoáveis para alguém que submete um filme a uma competição.

Filme no âmbito do DocLisboa 2011. Passou hoje e volta a passar no dia 29, às 18h30, no Pequeno Auditório da Culturgest.

Guañape Sur

2011-10-26T16:21:00.001+01:00

Guañape Sur:

O dicionário Priberam da língua portuguesa define guano como sendo "adubo de substâncias orgânicas e, particularmente, do excremento das aves". Trata-se de uma substância tão importante para a economia do Perú que o próprio termo deriva da língua dos seus povos indígenas, o quechua. Hoje já não tão importante como outrora foi mas ainda é explorado comercialmente pelo governo local.

Neste documentário seguimos uma expedição comercial organizada pelo Ministério da Agricultura peruano. A cada onze anos são contratadas várias dezenas de trabalhadores que terão como missão separar o precioso guano da restante porcaria deixada por centenas de milhares de pássaros durante os dez anos anteriores. Como diz o capataz no pep talk inicial, guano não deixa de ser caca e como tal pode trazer doenças àqueles que o aspirem; usem máscaras, é o conselho, mas nem uma única se vê a ser usada durante o filme. Os trabalhadores simplesmente não as usam.

O realizador (alemão, János Richter de seu nome) decide não se focar nesse problema. Aliás, a questão das máscaras e das eventuais consequências para a saúde daqueles homens nem sequer é abordada (eu é que tenho a tendência para pensar nesses assuntos). O foco do filme é a actividade em si, não aqueles que a exercem.

"É uma escolha acertada?" perguntam-se vocês (ou pelo menos perguntei eu). Acho que sim, dados os constrangimentos de tempo a opção por abordar o passado, o presente e o futuro daqueles homens seria demasiado. Assim, deixou-se a prospeção de guano falar por si mesma, acompanhada do constante piar das aves que habitam aquele rochedo e de uma composição visual muito interessante e prometedora para alguém que tem aqui a sua primeira obra.

Filme no âmbito do DocLisboa 2011. Passou dias 21 e 24 mas só hoje é que tive oportunidade de escrever a SMR.

The Redemption of General Butt Naked

2011-10-25T23:20:00.070+01:00

The Redemption of General Butt Naked:

The Redemption of General Butt Naked é um documentário que tem nome de filme porno mas que, em dados momentos, podia transformar-se em filme de terror. Fala-nos da história de Joshua Milton Blahyi, guerrilheiro liberiano que ganhou a alcunha de General Butt Naked por liderar um grupo de combatentes que enfrentavam os seus inimigos completamente nus, crentes numa protecção divina que os tornaria invencíveis.

Quando ouvi esta última parte tive de me lembrar de um outro documentário, Invisible Children: Rough Cut. Nesse filme é-nos explicado que também no Uganda o exército de Joseph Kony por vezes combate nu, crente na mesma protecção divina. Isso é, claro, o menos relevante nestes dois importantes filmes, mas não deixa de ser curiosa a ligação, por nos permitir prescrutar a mente de dois monstros que espalham o caos e a dor e mesmo assim se sentem protegidos pelas suas divindades, o diabo na Libéria, deus no Uganda.

Mas neste filme sobre o General Butt Naked o título apresenta uma outra palavra, ainda mais importante para a história que se quer contar: redenção.

Ao contrário do que se passa no Invisible Children aqui o "monstro" é filmado pelos realizadores...Joseph Kony aparece só em alguns frames mas o General Butt Naked é o protagonista do filme, estando em cena na grande maioria do tempo enquanto conta a sua história, espalha a sua nova mensagem e pede desculpa aos que magoou ou aos seus familiar. Os tempos são de redenção para Joshua Milton Blahyi.

Isto porque ao fim de uma série de anos a cometer as maiores barbaridades da guerra civil liberiana Joshua teve uma visão: Jesus apareceu-lhe, fê-lo ver o quão errado estava ao comportar-se assim e mudou-lhe a vida para sempre.

Por vezes a conversão de Joshua parece ser honesta, vê-se que ele acredita nas palavras que diz, faz o que pode para ajudar aqueles que prejudicou (embora mantenha uma série de gadgets e roupas caras num país paupérrimo) e, segundo o filme, foi um dos poucos (senão o único) dos guerrilheiros dessa altura que se apresentou publicamente perante a Comissão de Verdade e Reconciliação (CVR) criada em 2005 e confessou as atrocidades cometidas. Mas, apesar disso, devo confessar que não consigo acreditar totalmente nele: quando vemos os seus sermões na igreja (Joshua é agora um "ministro" religioso) ou quando o vemos a apresentar as suas desculpas àqueles que magoou podemos testemunhar que sua agressividade continua lá por inteiro...Joshua parece ser um barril de pólvora que por agora está controlado, mas que a dada altura poderá voltar a explodir.

Se assim é ou não não sou eu que posso confirmar, deixo-o para quem convive com ele mais de perto, mas não deixa de ser interessante ver que a grande maioria daqueles a quem Joshua pede desculpa ("Sorry", diz ele, uma palavra demasiado fraca para os horrores que motivou) deseja que ele ainda venha a ser punido pelo que fez. O ter-se apresentado na CVR fez com que fosse indultado pelo que pode andar livremente na Libéria, sem vir a ser perseguido judicialmente mas ainda há muitos que querem que pague pelos males que fez. No final do filme também vocês terão o vosso veredicto.

Este é mais um documentário no âmbito do DocLisboa 2011. Passou hoje e volta a passar dia 28, às 21h45 no cinema Londres.

Koniec Lata

2011-10-25T20:16:00.001+01:00

Koniec Lata:

Koniec Lata (O fim do Verão, em polaco) é uma curta metragem de 32 minutos que nos apresenta a realidade de uma escola militar russa. Nele ouvimos os testemunhos de jovens de 7, 11 e 16 anos e - em geral - vemos como a escola funciona.

Em Portugal existem também algumas escolas militares e apesar de conhecer algumas pessoas que lá estudaram confesso que nunca abordei com elas o assunto. É por isso que aproveito agora para perguntar a algum leitor que tenha essa experiência: é normal haver tanta desumanização dos alunos destas escolas? Em nenhum momento deste filme se testemunha qualquer cena de violência ou de antipatia dos mais velhos para com os mais novos (antes pelo contrário), mas fiquei com a impressão de que as crianças que ali entram saem mais autómatos que adultos. Talvez seja essa a ideia fundamental da instrução militar, mas quando o testemunho incomoda-me.

Tomemos como exemplo o jovem de 7 anos que apresenta o seu testemunho: é comandante da "1.ª tropa" (na escola observada os anos dividem-se por tropas) e tem como funções observar e garantir a organização, respeito e disciplina dos seus camaradas. Até aqui tudo bem, nós também temos delegados de turma (existem na escola primária? Não me lembro), mas um dos corolários dessa sua função é ter de avaliar quinzenalmente os seus colegas, em público (perante a turma e os professores) dizendo-lhes o que fizeram de mal e como deveriam corrigir. Parece-me um pouco demais para sete anos, mas - verdade seja dita - o nosso "comandante" parece gostar.

Por nos mostrar esta realidade tão distante (geografica e mentalmente) este documentário merece ser reconhecido. Está bem filmado, bem estruturado e mostra aquilo que parece querer mostrar desde o início, que as escolas militares (pelo menos as russas) podem ser uma boa solução para educar crianças num país tão grande que faz com que o exército seja a única instituição verdadeiramente nacional, mas essa educação traz como consequência o retirar da juventude aos jovens que recebe.

Filme no âmbito do DocLisboa 2011. Foi hoje a última das duas sessões.

Marxism Today (prologue)

2011-10-24T23:46:00.001+01:00

Marxism Today (prologue):

Com a queda do muro de Berlim, a 9 de Novembro de 1989 muita coisa mudou na que até então era a República Popular da Alemanha. Uma dessas coisas foi o fim da carreira para todos os professores de "Teoria Marxista-Leninista" que existiam nas universidades do país. São essas pessoas que ouvimos nesta curta-metragem documental.

Ao ouvirmos alguns dos seus testemunhos vemos que alguns desses antigos professores de Marxismo-Leninismo sentem o que em alemão chamam de Ostalgie, nostalgia do Leste e, tendo em conta que a maioria de nós sabe agora o quão controlada e difícil era a vida nesse extinto país, podemos ser tentados a pensar que eles devem ser mas é parvos, ao preferirem uma sociedade em que tinham de pedir autorização para casar a uma outra que os acolheu, pagou a sua integração e modernização. Mas será que tudo é assim tão linear? Creio que não, temos de pensar que se tratam de pessoas que passaram uns 40 anos da sua vida a pensar (mesmo que à força) de uma forma que agora é vista como errada...como um dos entrevistados diz "a dada altura disseram-nos que a nossa vida até então foi um erro". Imaginem como se sentiriam se vos dissessem isso agora.

Em termos de qualidade do filme, propriamente dita, tenho que deixar uma nota: o tema interessa-me bastante, dada a minha ligação com Berlin e o meu interesse por história, mas para quem não esteja muito para aí virado se calhar não será o filme mais atraente. Tem algumas imagens interessantes (nomeadamente as das actuações de ginástica a la Coreia do Norte) mas a opção do realizador (que se chama Phil Collins mas não é O Phil Collins) em basear o documentário em entrevistas filmadas e o escopo muito reduzido mesmo afastam-no um pouco do interesse geral.

Filme no âmbito do DocLisboa 2011, passou hoje e volta a passar já amanhã, às 19h15, no cinema Londres.

Susya

2011-10-24T23:21:00.000+01:00

Susya:

A história deste filme é simples de contar: um homem palestiniano de 60 anos decide voltar, com o filho de 25, à terra da sua família. Anos antes havia sido expulso pelos militares israelitas e para voltar a ver o que era seu teve de pagar bilhete, pois a sua terra natal foi transformada em espaço arqueológico.

As causas e consequências do que aqui se passa são muito mais profundas: pai, filho e restante família foram expulsos da sua terra por força da política de colonatos israelita e para além do triste que é terem de pagar bilhete para ver a sua antiga casa, ainda acabam expulsos dessa sua visita turística por um grupo de soldados israelitas que os vê como uma ameaça. Trata-se de apenas mais uma pequena peça no enorme (e irresolúvel) puzzle que é a questão israelo-palestiniana.

Esta curta não é nada de especial a nível técnico (dá-nos aquela sensação de "até eu podia fazer isto") mas não deixa de ter o seu interesse por pôr em foco mais um aspecto da ocupação israelita do território palestiniano e do drama que deve ser ser-se expulso do nosso país/da nossa aldeia sem que ninguém possa fazer nada por nós.

Filme no âmbito do DocLisboa 2011. Passou hoje e volta a passar dia 26 às 18h, na Culturgest.

Gesto

2011-10-24T13:20:00.000+01:00

Gesto:

Esta SMR não é uma crítica ao filme, é uma carta ao seu protagonista (António Coelho), que conheço de outros tempos e outras andanças.

"Caro António,

Talvez não te lembres de mim à primeira e por isso devo apresentar-me. Chamo-me João e fui teu formador no projecto MOVA, no CED Jacob Rodrigues Pereira. Talvez de lembres de mim pelo meu nome gestual, relacionado com a minha poupa de cabelo.

Durante esse projecto tive o prazer de te mostrar a ti e aos teus colegas que não são algumas limitações físicas ou sociais que nos impedem de sermos pessoas completas, com projectos de vida bem estruturados e capazes de conviver com o mundo exterior. Infelizmente tive de sair antes do final do projecto mas soube, pelos colegas que me sucederam, que foi um sucesso. Fiquei feliz por sabê-lo, pois desde a altura em que primeiro entrei em contacto convosco que acho o CED Jacob Rodrigues Pereira uma grande escola e os seus alunos grandes exemplos de inteligência, cultura e vontade de aprender.

Escrevo-te pois ontem à noite voltei a ver-te. Desta vez vi-te num filme mas reconheci-te de imediato. Foi bom ver que continuas a sonhar alto, como já na altura demonstravas fazer e que não desistes do teu sonho de cinema. Houve um dia em que vos mostrei um filme do Charlie Chaplin e já na altura demonstraste um interesse especial na análise daquelas imagens.

Mas ontem, ao ver-te como a "estrela" do teu próprio filme lembrei-me sobretudo de outra coisa. No final da minha colaboração no projecto passámos um fim de semana juntos na Colónia d'O Século, lembras-te? Pois eu nunca mais me esqueci da conversa que tivemos os dois numa das noites. Não tinhas o intérprete por perto por isso usámos o telemóvel para falar por escrito e no final disseste-me que gostavas de mim e da minha colega por sermos ouvintes mas estarmos a dar formação a jovens surdos como tu e (alguns d)os teus colegas. Pois hoje, passados uns dois anos e tal digo-te que ao ver o filme Gesto sou eu que te agradeço, pela inspiração que foste na tua crença de que todas as barreiras são ultrapassáveis.

Espero, muito honestamente, que o teu sonho continue vivo e que um dia nos encontremos por aí, tu realizador e eu ainda aqui a escrever as minhas críticas de cinema. Boa sorte!"

P.S.: Filme no âmbito do DocLisboa 2011. Passou ontem, dia 23 e infelizmente já não volta a passar, mas se o mundo for justo voltarão a ouvir falar dele e terão oportunidade de o ver noutra ocasião. É um filme que, tendo algumas falhas, serve como uma ponte para o outro mundo que é a comunidade surda portuguesa.

DocLisboa 2011

2011-10-20T00:02:00.004+01:00

Aviso à navegação! Começa hoje a edição de 2011 do Doc Lisboa.

Não vou poder fazer uma cobertura tão intensa como fiz o ano passado mas conto ver mais filmes e, sabem bem, fazer as respectivas SMR. Vou tentar ao máximo escrever no dia da sessão, mas desde que não se importem com ler a SMR sem ser no dia estamos todos bem, já que todos os filmes serão marcados com o tag "Doc Lisboa".

Aproveitem o festival e aprendam enquanto vêem cinema. É por isso que adoro documentários!

Cyrus

2011-10-11T17:02:00.000+01:00

Cyrus:

Imaginem-se com uns quarenta e tal anos, divorciados há sete, mas ainda com uma grande panca pela vossa ex-mulher. Imaginem que se dão com ela como amigos e colegas de trabalho e imaginem que ela vos diz que se vai casar dentro de pouco tempo. É por isso que John (John C. Reilly) passa nos minutos iniciais deste filme.

Felizmente a ex-mulher de John, Jamie (Catherine Keener), é uma bacana e tenta animar o homem levando-o a uma festa a que vai com o noivo. John está deprimido mas em tempos já foi interessante e tinha piada: é isso que diz a Molly (Marisa Tomei), uma mulher que conhece na tal festa e com quem acaba por se envolver.

Molly consegue ver para lá da depressão de John e os dois vão começar uma relação que de início é escondida mas que depressa passa a ser do conhecimento de Cyrus (Jonah Hill), filho de Molly e razão para o título do filme. É que se não há dúvida que o par John/Molly é o centro do filme também não pode haver quanto ao facto de Cyrus ser o motor que faz a história andar.

A meu ver este filme cometeu um grande erro. A sua promoção foi feita como se de uma comédia se tratasse (vi o trailer já o ano passado e também tinha ficado com essa ideia) quando não é de todo uma comédia. Digo isto porque o pano de fundo emocional desta história é melancólico e mesmo com umas quantas piadas pelo meio (muito poucas, o que neste caso é bom) não devemos vê-lo como sendo qualquer outra coisa.

Cyrus torna-se importante na história porque apesar de ter já 21 anos de idade é um bebé gigante com uma relação tão próxima com a mãe que até o Édipo diria que era doentio: manipula-a emocionalmente a toda a hora e quando sente o risco de esta se afastar ao aproximar-se de John resolve ir à carga e tentar correr com o novo namorado da mãe dali para fora. Seria aqui que poderia estar a comédia mas repito, o assunto não é tratado de maneira a sacar gargalhadas e na minha modesta opinião ainda bem.

Cyrus acaba por ser um filme interessante mas que podia ser um bocadinho melhor e deveria ter sido promovido de outra forma. É uma rara abordagem moderna a um tema tão clássico, feita de forma inteligente e que terá interesse acrescido para aqueles que têm uma relação próxima com os pais mas que também não é uma má opção para todos os outros.

Horrible Bosses

2011-10-08T02:41:00.000+01:00

Horrible Bosses:

Todos nós já tivemos um chefe ou uma chefe com o/a qual não nos damos bem. Faz parte do mundo do trabalho e quem diz que sempre foi feliz no emprego é porque nunca teve um emprego a sério (empregos de que se gosta mesmo não contam!). No entanto, o facto de não gostarmos dos nossos chefes não nos faz querer matá-los, certo?

No caso de Nick, Dale e Kurt (Jason Bateman, Charlie Day e Jason Sudeikis, respectivamente) a minha afirmação do parágrafo anterior é errada: detestam-nos ao ponto de os querer matar, e o filme acompanha precisamente os planos dos três para o fazer, planos que passam por tentar contratar um gangster para fazer o trabalhinho, longas sessões de observação da chefe de Dale (a Jennifer Aniston, cujo "único mal" é ser tarada sexual e querer ter sexo com o seu empregado) e buscas por pistas que acabam com dois dos três altamente drogados. Esqueci-me de dizer que se trata de uma comédia.

Até consigo imaginar que nas reuniões de argumento algumas das ideias apresentadas tivessem piada. Infelizmente, no resultado final só duas é que me fizeram rir: o facto do personagem do Jamie Foxx se chamar Motherfucker Jones (o que dá para umas boas linhas de diálogo) e o aspecto geral do personagem do Colin Farrel enquanto chefe de Kurt (pena que não explorem mais esse filão). Tudo o resto no filme é conteúdo daquelas comédias insalubres que de tempos a tempos vou metendo por aqui e que vejo numa das três seguintes situações: ou na companhia da namorada, ou quando não me apetece raciocinar durante o filme ou, como neste caso, quando vou em viagem de comboio e sei que o ambiente não é o ideal para ver um filme, a menos que seja daqueles rapidamente esquecidos.

Julianes Sturz in den Dschungel

2011-10-03T20:50:00.002+01:00

Julianes Sturz in den Dschungel:

Juliane Koepcke tem uma história de vida que mais ninguém tem, e ninguém deseja ter. Existem no mundo uns quantos sobreviventes únicos de quedas de avião, como ela, mas não deve haver mais nenhum que depois da queda no meio da Amazónia passou 10 dias a caminhar sozinha pela selva até encontrar mais gente, isto porque as buscas foram canceladas por nem sequer conseguirem encontrar os destroços do avião no meio do mato.

A história de Juliane foi contada de uma forma dramatizada num filme série B dos anos 70 mas aqui é contada pela própria, que aos 29 anos voltou ao lugar do acidente e reviveu o que ali se passou. Quem lhe propôs esta viagem foi o Werner Herzog, que tinha bilhete para o mesmo avião e só não embarcou no fatídico voo por causa de um atraso numa ligação.

A 24 de Dezembro de 1971 Juliane embarcou em Lima e sentou-se no lugar 19F no voo com rumo a Pucallpa, de onde partiria para passar o Natal com a família na reserva biológica gerida pelos pais na floresta amazónica. Fora lá que Juliane viveu durante grande parte da sua vida e, quando o avião se despenhou, foi isso que a salvou.

Como é natural Juliane não se lembra de (quase) nada entre o raio que acertou num dos depósitos de combustível do avião e o fez cair a pique e o ter acordado no chão, ainda presa ao seu lugar com o cinto de segurança. Estava ferida mas conseguia andar, pelo que se levantou, procurou (em vão) outros sobreviventes (incluindo a mãe) e, quando percebeu que tinha de ser ela a salvar-se, seguiu os seus conhecimentos de sobrevivência na natureza e fez a coisa mais lógica mas que se calhar nenhum de nós faria: procurar um curso de água, por mais pequeno que fosse, e segui-lo até encontrar civilização.

Na minha opinião o aspecto visual este documentário podia ser melhor. É impressionante ver a vegetação amazónica mas verdade seja dita que grande parte do filme é passado a ver Juliane remexer nos destroços do avião (que entretanto foram encontrados mas que demoraram cerca de 3 meses a ser relocalizados pela equipa do Herzog) enquanto conta a sua história. Felizmente essa história é espantosa e os seus relatos estão cheios de informação que espero nunca ter de usar (Juliane não tinha medo das piranhas por saber que elas são inofensívas em águas corridas; os animais mais perigosos que encontrou naquela viagem eram as raias venenosas; um determinado tipo de pássaros (não me lembro como se chamam) significa que há um curso de água navegável por perto).

Foi sobretudo por esses pedaços de informação que mantive o interesse no filme, se tivesse de dar uma nota ao filme estaria perto do Satisfaz. É capaz de ter sido o documentário dele que menos me puxou mas apesar de tudo tem um tema interessante. Acho que não há nenhum filme do Herzog com um tema desinteressante.

P.S: Eu sei que o título em alemão torna o post menos apelativo, mas como gosto de usar o título original sempre que posso e acho que o inglês (Wings of Hope) é muito enganador lá terão de aprender a dizer Julianes Sturz in den Dschungel.

Gasherbrum - Der leuchtende Berg

2011-09-30T21:09:00.002+01:00

Gasherbrum - Der leuchtende Berg:

(eu sei, é um "poster" estranhíssimo, mas tenham em conta que é uma produção para a TV alemã dos anos 80, assim tudo se torna mais claro)

Era uma vez estes dois senhores, Reinhold Messner e Hans Kammerlander, dois alpinistas que em 1984 decidiram escalar os montes Gasherbrum I e Gasherbrum II (ambos com mais de 8.000m) de uma assentada só, sendo a primeira vez que tal foi feito. Era também uma vez um realizador que gosta de documentar histórias reais mas fora do normal, o Werner Herzog.

Da relação entre os dois alpinistas e o realizador alemão surgiu este filme, que em inglês se chama The Dark Glow of the Mountains, e que tendo por pano de fundo o alpinismo não é, conforme declara abertamente, um filme sobre alpinismo. O foco da história é na análise psicológica daqueles que sabem que estão a arriscar a vida ao subir a uma montanha apenas para dizer que já lá estiveram e é curioso que quando Messner e Kammerlander sobem aos cumes a câmara não os acompanha, prefere esperar cá em baixo para depois falar com eles.

Creio que foi o Sir Edmund Hillary (o primeiro homem a chegar ao cume do Everest) que, quando lhe perguntaram porque é que escalava montanhas, respondeu "Porque elas estão lá". Parece-me uma justificação tão boa como qualquer outra, mas não é partilhada pelos dois montanhistas deste documentário: Messner, muito mais falador e claramente o líder da expedição, fala antes em derradeiro teste de resistência e de um vício tão obsessivo e mórbido (palavras dele) como as drogas.

Messner viu o irmão morrer numa expedição aos montes Dolomitas, uns anos antes da realização deste documentário, e mesmo assim continuou a escalar. Tornou-se o primeiro homem a subir ao Evereste sem auxílio de oxigénio e foi o primeiro homem a subir a todos as 14 montanhas com mais de 8.000 metros de altitude (e subiu-as a todas sem oxigénio, como o nosso João Garcia) e depois deste filme já subiu mais montanhas do que eu vãos de escada. Na última entrevista que dá ao Herzog antes de começar a subida dos dois Gasherbrum esconde o (inevitável) nervosismo com um sorriso e friamente, como se fosse a coisa mais normal do mundo, diz-lhe "Se não estivermos de volta daqui a uma semana volta para trás, não vale a pena procurar ajuda porque ou morremos numa avalanche ou de hipotermia".

Este documentário foi a primeira vez que realmente me apercebi do constante perigo mortal desta actividade e, nem que fosse por isso, valeu a pena tê-lo visto. Recomendo-o a todos os leitores que, como eu, gostam de viajar ou gostavam de subir às árvores quando eram pequenos, só para ver o que estava "lá em cima".

Crazy, Stupid, Love

2011-09-28T23:54:00.000+01:00

Crazy, Stupid, Love:

Sendo melhor do que esperava Crazy, Stupid, Love é também um filme muito diferente do que estava a contar (e que a promoção do mesmo deixa antever): contava com uma comédia romântica parva e recebi um drama familiar com uns bons toques de comédia. Estão a ver o The Kids Are All Right? É nessa onda, apesar da estética muito mais mainstream e a história ser bem diferente.

Em comum com esse filme tem a Julianne Moore, que aqui é Emily, uma mulher que diz que quer o divórcio ao mesmo tempo que o marido (Steve Carrel, mais discreto/inteligente/interessante que o costume) manifesta o desejo de comer leite creme para sobremesa. Este é o casal principal de Crazy, Stupid, Love, namorados desde os 15 anos, casados há não sei mais quantos e completamente estagnados até que ela se enrola com David Lindhagen, um colega de escritório (bem) interpretado pelo Kevin Bacon.

Para além de Emily e Cal existem outros personagens que sofrem os seus próprios (des)encontros amorosos. O melhor deles é Jacob, pelo menos de início, um personagem do Ryan Gosling que me deixou completamente ansioso para ver o Drive. Trata-se de um engatatão daqueles que passa a vida num bar, bar esse onde Cal vai beber para esquecer o seu divórcio, e que - num momento pouco realista do filme - resolve ajudá-lo num make-over. Claro, que sendo produto de Hollywood, o engatatão do Jacob vai apaixonar-se, neste caso por uma recém-advogada chamada Hannah (Emma Stone) que acabou de acabar com o totó do seu namorado.

Um outro personagem é Robbie (Jonah Bobo), o filho de 13 anos do casal Weaver, que desenvolve uma paixão assolapada por Jessica, a sua babysitter de 17 anos, ela própria com as suas paixões. Robbie tem como professora Kate (Marisa Tomei), que não é muito relevante neste parágrafo mas que não consegui inserir noutro.

Começando na tal proposta do make-over, o filme tem vários momentos irrealistas que nos poderiam distrair ou fazer-nos gritar "cliché!". Felizmente, os próprios personagens reconhecem esse cliché e as improbabilidades da história juntam-se todas num twist tão bom que seria um crime revelá-lo. Havia um sério risco do filme se perder, tipo Friends With Benefits, mas acaba por dar a volta por cima e, apesar de não ir salvar o mundo (parafraseando o Robert Ebert), tornar-se uma opção forte para quando queiram ver um filme filme leve, relaxado, com um bom equilíbrio de emoções e com muito mais gargalhadas que muitas das comédias "puras" que tenho visto.

Melancholia

2011-09-22T18:58:00.001+01:00

Melancholia:

Cá estou eu de novo, amiguinhos, e trago-vos mais uma provável estreia a nível de críticas em português.

Falo de Melancholia, o último filme do Lars von Trier, aquele que ele apresentou em Cannes este ano e depois deu origem à famosa conferência de imprensa. Não, não o saquei; a vantagem de estar de férias é ir a outros países onde posso ver ante-estreias de filmes que por cá devem chegar mais para o fim do ano. E sim, é muito bom; arrisco-me a dizer que a seguir ao Dogville é o meu favorito dele...e notem os que não me conhecem assim tão bem que o Dogville é um dos meus dois filmes favoritos de sempre.

Nos últimos filmes o Lars von Trier tem seguido um esquema semelhante: uma mulher, um tema. Às duplas Bjork/Justiça, Nicole Kidman/Vingança, Bryce Dallas Howard/Liberdade, Charlotte Gainsbourg/Perda podemos agora juntar a Kirsten Dunst/Perda da Inocência. E perda da inocência porquê? Porque neste filme, como na vida, é essa a razão da melancolia: só quem é inocente e desconhecedor da realidade das coisas pode ser feliz, livre desse sentimento que o dicionário define como tristeza profunda e duradoura.

Nos primeiros momentos do filme Justine é uma mulher aparentemente feliz. É o dia do seu casamento e as coisas parecem correr bem com o noivo até ao momento em que a sua mãe - recentemente divorciada - faz um brinde devastador e que leva à tal perda de inocência...depois daquelas palavras Justine não pode voltar à ingenuidade do desconhecimento e por isso perde-se. Uma horinha mais à frente no filme (não sei quanto tempo depois no seu espaço temporal) e vemo-la de volta ao castelo onde festejou o casamento, ainda profundamente deprimida mas ali chamada pela sua irmã Claire (Charlotte Gainsbourg), que por lá vive com o seu marido John (Kiefer Sunderland, num papel fora daquilo a que nos habituou). A razão da chamada é Melancholia.

Este/Esta Melancholia não é um estado de espírito, por muito que sejam homónimos no inglês. Trata-se de um planeta (fictício, leitores mais distraídos) que por força do destino e das trajectórias espaciais passará perto da Terra dias depois do regresso de Justine àquele local. Consoante sigamos a opinião de John ou de Claire trata-se de um momento único de beleza astronómica ou o fim do mundo. A aproximação de Melancholia vai ser, acima de tudo, um catalisador para o desaparecer da tristeza que afecta Justine, ela que por causa daquele evento vai melhorar, numa metáfora e uma lição tão triste como importante mas que não vou revelar aqui.

Infelizmente a tal conferência de imprensa de Cannes fez com que as atenções se debruçassem na polémica e não no filme, o que é uma grande pena. O trabalho de realização é impecável, mantendo algumas escolhas estilísticas de Antichrist (sobretudo no prólogo), as imagens astronómicas impressionantes (será que é moda este ano?), a banda sonora perfeita para o ambiente que se quer criar (oiçam um exemplo no trailer) e o trabalho dos actores de grande qualidade.

Minto, o trabalho da Charlotte Gainsbourg e do Kiefer Sunderland (bem como dos restantes secundários) é de grande qualidade, o da Kirsten Dunst é pura e simplesmente melhor interpretação feminina deste ano (pelo menos até agora)...não tivesse havido a polémica que houve e era certinho que pelo menos conseguiria nomeações para os principais prémios. Assim não sei, o que sei é que se gostam de filmes de autor, profundos sem ser aborrecidamente intelectuais têm de ir ver este filme, que ao que sei estreia em Portugal a 1 de Dezembro. Usando uma expressão que já aqui usei algumas vezes, Melancholia é um exemplo de como o cinema deveria ser sempre.

Vacances

2011-09-13T02:37:00.000+01:00

Com o escriba-mor de férias, o blog de férias está. Os updates voltam a partir de 22 de Setembro.

Stone

2011-09-08T17:51:00.000+01:00

Stone:

O realizador deste filme, John Curran, é um realizador pouco conhecido que - descobri eu quando preparava esta SMR - esteve envolvido em dois filmes também eles pouco conhecidos e que sobre os quais tenho opiniões distintas. Por um lado, é o realizador do We Don't Live Here Anymore, um dos feel-bad movies de 2004 e que eu adorei, por outro é o argumentista do The Killer Inside Me, filme que já aqui analisei com uma opinião negativa.

Isto tudo para explicar a sensação que tenho em relação a este filme: podia ser excelente mas acabará por ficar perdido no mundo da mediania.

Se tivesse visto em sala, como queria quando por lá passou em 2010, teria uma opinião diferente? Duvido. O problema do filme está sobretudo no argumento, creio eu, porque não se consegue decidir sobre que tipo de filme quer ser. Tudo começa como um thriller prisional, com muita conversa e agressividade passiva entre Stone (o presidiário) e Jack Mabry, o seu agente de liberdade condicional, mas rapidamente entra em cena mais um personagem relevante (Lucetta, a mulher de Stone) e a história descamba para as suas tentativas de seduzir e chantagear Jack para benefício do marido. Tentando ser uma coisa e outra o filme acaba por não ser nenhuma, o que é uma pena.

Se só se tivesse focado numa das vertentes, ou se tivesse conseguido um melhor malabarismo entre ambas, o filme tinha mesmo muito potencial. O trio de actores principais está em grande, com o Edward Norton a assumir o protagonismo, a Milla Jovovich a mostrar que afinal sabe interpretar um papel com qualidade e, estranhamente, o Robert De Niro a ser o pior dos três e o conceito do filme é interessante. Pena é que as indecisões quanto ao rumo a seguir, algumas más escolhas de casting secundário (aquele Jack Mabry jovem, meu deus) e algumas referências espirituais completamente forçadas (a uma religião chamada Lukangor e ao papel que a religião teve em controlar a agressividade de Jack), fazem com que o trabalho dos actores seja em vão.

Friends with Benefits

2011-09-06T00:10:00.000+01:00

Friends with Benefits:

Aqui há um ou dois meses estreou um filme com o Ashton Kutcher e a Natalie Portman. Chama-se No Strings Attached e é tão, mas tão parecido com o Friends With Benefits que quando procurei por um no IMDB aterrei no outro. Não o vou poder comparar com este porque não o vi, mas se a história é semelhante posso arriscar dizer que não é grande espingarda.

Friends With Benefits é a expressão americana para amigos coloridos e ao mesmo tempo um eufemismo fuck buddies. É isso que Dylan e Jamie começam por ser e é por aí que o filme começa. Podia ser uma coisa boa, uma espécie de anti-comédia romântica (como lhe chama a Empire, numa crítica mais positiva que a minha) em que os seus protagonistas já viram muitos filmes da Katherine Heigl e identificam as situações que lhes vão acontecendo, mas...mas há sempre um mas.

Mas a dada altura a história parece que entra nuns carris daqueles da Scalextric e o que poderia ser uma fuck-com (novo género cinemático?) leve mas divertida torna-se numa rom-com altamente previsível e aborrecida, em que a única coisa que não vimos já quinhentas vezes é a sub-história da família de Dylan em Los Angeles, desnecessária e penosa, quando o ainda não casalinho maravilha vai passar o 4 de Julho junto ao mar.

Muito se tem dito sobre a química que existe entre o Justin Timberlake e a Mila Kunis (alguém sabia que ela é ucraniana?). Dizem que é o que faz o filme sobressair e que, fossem outros os actores a interpretar o casal maravilha, o filme já não funcionaria tão bem. Permitam-me discordar, caros leitores, a Mila Kunis vai muito bem (se bem que não sou neutro, já aqui disse que gosto dela) mas o Justin não se safa senão numa cena em que goza com o "personagem" que ele próprio era quando fazia parte dos 'N Sync. O rapaz portou-se muito bem no The Social Network mas aqui não me agradou minimamente, quem diz que ele tem futuro neste tipo de filmes está certo, mas só porque estes filmes são muito pouco exigentes.

No final de contas não é um filme tão doloroso de se ver como o último que analisei, dá para ver num dia em que se queira desligar o cérebro mas não nos leva absolutamente a lado nenhum, nem sequer ao riso.

Autobiografia lui Nicolae Ceaușescu

2011-08-28T22:47:00.005+01:00

Autobiografia lui Nicolae Ceaușescu:

Queridos leitores, este é um dia de estreias neste blog. É a primeira vez que escrevo a SMR enquanto a sessão que analiso ainda está a decorrer e sim, é a primeira vez (e espero que última) que saio durante a sessão.

O filme que ainda está a decorrer na sala 4 do Monumental dura três horas e é inteiramente composto de imagens de arquivo sobre o ditador que dominou a Roménia de 1965 a 1989. Imagens sem contexto, sem uma mínima explicação de quem é quem e sem qualquer edição...faltavam duas horas e meia para acabar quando, depois de termos visto a visita do ditador à Feira das Colheitas de Bucareste, não aguentei mais a cena que estava a passar: uma sessão de perguntas aquando da visita de Ceaușescu à Checoslováquia em que ouvimos a pergunta em checo, a tradução para romeno, a resposta em romeno e a tradução para checo.

Tem tido críticas altamente elogiosas, mesmo em Portugal. A opinião com que fiquei é que se tiverem interesse académico na história da Roménia deve ser bem interessante, para os restantes mortais são três horas que podem ser muito mais bem passadas. O que eu sei é que só sairia da sala daqui a hora e meia e assim já estou em casa, com SMR escrita e tudo!

Les chansons d'amour

2011-08-26T20:49:00.001+01:00

Les chansons d'amour:

Acho que pelo histórico de SMR aqui do estaminé dá para ver que os musicais não são a minha onda. Não me consigo ligar a um mundo em que as pessoas cantam e dançam só porque sim, sou demasiado insensível, talvez. O único musical de que gostei (e só mais ou menos) foi o Moulin Rouge, porque aí tudo é extravagante e as cantorias e danças quase passam despercebidas.

Infelizmente para o Paulo Branco (produtor deste filme e "Senhor Medeia") a minha lista de musicais de que gostei vai continuar a ter essa única entrada. Les chansons d'amour sofre por ser o oposto do que disse acima sobre o filme do Baz Luhrmann...tudo é realista, sério até e - do nada - as pessoas começam a cantar as suas falas. Para mim, isso é sinónimo de caldo entornado porque qualquer ligação emocional que estivesse a criar com os personagens vai ao ar, assim como a minha atenção.

É uma pena, por acaso, porque consigo imaginar que esta história desse um excelente filme não musicado e que, como tal, mereceria mais elogios da minha parte. A história é a de um trio (duas mulheres, Julie e Alice, e um homem, Ismaël) que alegremente partilha a sua sexualidade até que o triângulo se desfaz por morte de um dos seus vértices. Depois desse evento, quase no início do filme, vamos ver como - a cantar mais ou menos alegremente - os dois elementos restantes e os familiares e amigos do defunto lidam com a sua perda.

Admito que o filme seja bom, as interpretações são boas, as músicas estão bem escritas (não tão bem interpretadas, acho eu, ao ponto de ter notado algumas diferenças de voz suspeitas quando começam a cantar) e tem uma frase final - Aime-mois moins, mais aime-mois longtemps - que me bateu forte e que pôs muita gente nos fóruns do IMDB a conversar. É uma história adulta, de sexo, amor, dor, perda e amor novamente, que - a meu ver - se perde por se tornar leviana dada escolha estilística do realizador (Christophe Honoré).

O problema sou eu, não é o filme, poderia dizer parafraseando uma frase-feita dos desencontros de amor. Por isso se acharem que conseguem continuar ligados ao filme quando as cantorias começam força, vejam-no se é que ainda não o virem, se forem como eu é que provavelmente terão o mesmo veredicto final: quem me dera que tivessem feito tudo de uma forma mais realista.

Les petits mouchoirs

2011-08-24T21:08:00.011+01:00

Les petits mouchoirs:

No dia 10 de Maio deste ano vi no Indie Lisboa um filme francês chamado Memory Lane, filme esse que retrata os (re)encontros de uma série de amigos de infância quando têm já uns 25 anos de idade. Les petits mouchoirs, entitulado "Pequenas mentiras entre amigos" em Portugal, poderia ser uma sequela desse filme com os protagonistas já na casa dos 35, não fosse o facto de os personagens serem diferentes e as suas histórias também.

Se tivesse de realçar uma só diferença entre os dois filmes seria mesmo a maturidade. Não só a maturidade dos personagens (ou de parte deles, pelo menos) mas também do elenco e do realizador. Não é por acaso que esta já é a terceira longa de Guillaume Canet enquanto que Memory Lane foi a primeira do seu realizador. Essa maturidade, que aqui se traduz em maior experiência, facilitou - digo eu - a existência de um maior orçamento, o que se traduz em actores mais famosos e na possibilidade de filmar algo como a primeira cena, aquela que mais frequentemente será mencionada como prova da qualidade cinematrográfica do realizador.

Essa cena é, no entanto, bem diferente do resto do filme: nela, Ludo sai de mais uma das suas noites de farra, mete-se na sua scooter rumo a casa mas acaba por não chegar ao destino; no restante filme acompanhamos o seu grupo de amigos - que decide avançar com as férias em grupo que já tinham programadas, mesmo sabendo que ele está nos Cuidados Intensivos do hospital - as relações entre si e a forma como lidam com a sua ausência.

Maturidade é também a caracteristica que eu usaria para justificar a - correctissima - opção de não limitar este filme a uma só tonalidade (ri-me tanto e emocionei-me tanto, tudo na mesma sessão) nem em facilitar as coisas escolhendo um personagem principal e dando aos restantes um mero papel acessório. Aqui todos aqueles amigos são igualmente importantes e todos têm (mais ou menos) o mesmo tempo de antena. As desventuras amorosas de Marie (Marion Cotillard) têm direito à mesma atenção que é dada ao quase esgotamento nervoso de Max (François Cluzet) ou à saída do armário de Vincent (Benoît Magimel).

Com essa opção vêm, porém, dois riscos: que nem todas as histórias sejam boas e que o filme se torne demasiado longo.

Começemos pelo fim: o filme é longo sim senhor, tem mais de duas horas e meia, mas posso garantir-vos que nem por uma vez pensei no tempo que estava a durar, algo que às vezes já estou a fazer ao fim de meia hora quando o filme é fraco. Aliás, como não sabia que era tão longo e não reparei no tempo passar acabei por me atrasar - e muito - para um jantar de família que já tinha marcado.

Em segundo lugar, é normal que das cinco ou seis histórias que acompanhamos nem todas nos despertem o mesmo interesse, mas não vos consigo mesmo dizer qual delas é a pior. Estão todas muito bem construídas e decerto que apelarão a públicos diferentes, que se reverão mais ou menos nelas.

No último terço do filme todas essas histórias ficam para trás e o que interessa é de novo a reacção colectiva à situação de Ludo. Todos aqueles amigos têm as suas histórias e nenhum deles as partilha a cem por cento com os outros (daí o título) mas no final acabam por perceber que isso não importa, todos temos meios para nos ajudar a lidar com as dificuldades da vida (quem nunca fez de tudo para evitar pensar em algo doloroso?) mas os nossos amigos - aqueles que realmente o são - estarão lá para nos ajudar a passar pelos maus bocados. Mais do que com patuscadas na areia, é assim que se vê com quem podemos contar.

Para concluir deixem-me só dizer-vos o seguinte: apesar do drama porque este grupo passa (esta não é uma história feliz, por muito divertida que por vezes seja) o melhor elogio que posso fazer a todos os envolvidos neste filme é que fiquei com pena de não fazer parte daquele grupo. É frequente dizerem-me que exagero muito no que digo, mas permitam-me que vos recomende o filme da seguinte forma: se só puderem ver um filme francês este ano, escolham este. Se só puderem ver três filmes este ano, independentemente da nacionalidade, garantam que Les petits mouchoirs está na vossa lista.

Super 8

2011-08-21T00:05:00.000+01:00

Super 8:

E aqui está ela, conforme prometido ontem deixo-vos hoje a SMR daquela que é senão o melhor, o mais original blockbuster do Verão de 2011, o Super 8 de J.J. Abrams (e produção do Spielberg).

Quando digo original refiro-me ao facto de ser provavelmente o único que tem um argumento original (os outros é tudo remakes ou sequelas ou prequelas), mas esse argumento é muito inspirado noutras coisas que já vimos noutros tempos, nomeadamente nos anos 80 e ainda mais especificamente na obra do próprio Spielberg.

Resumidamente, Super 8 é o E.T., mas aqui o extraterrestre é mau em vez de ser aquele bonacheirão que todos conhecemos. Aterrou na terra por acidente, quer voltar para casa mas os mauzões do exército não deixam...soa-vos a E.T. ou não, leitores com mais de 25 anos de idade? Pois soa, pois soa.

Curiosamente (ou não) esta vertente alíenigena do filme é a mais fraca. Tem alguns momentos em que ficamos excitados com tanta acção no ecrã mas bem vistas as coisas há tantos plot holes e o alien é tão pouco empático que, se o filme fosse só isso, a coisa deixaria muito a desejar. Felizmente existe a outra face da moeda que é este filme, os putos.

Parafraseando a canção, os putos deste filme são como pardais à solta, pardais com um enorme interesse em fazer filmes. Joe, Alice, Cary, Martin e Preston não são de certeza os putos mais populares do seu liceu, mas - provavelmente como aconteceu com muitos geeks do mundo real - vão acabar por ser os que têm as histórias mais interessantes para contar quando voltarem à sua terrinha para a reunião dos 25 anos de formatura, vindos directamente de Hollywood.

Este grupo de miúdos junta-se à volta da visão de Charles, o realizador de "The Case", um misto de filme de detectives e de zombies, e vai ser ao filmar uma cena para o filme que as coisas dão para o torto, acabando por ser filmadas pela sua câmara Super 8 (daí o nome). É pena que dêem para o torto, na verdade, porque dei por mim a pensar muitas vezes em quão melhor seria o filme se se tivesse só focado nos miúdos.

Como realizador do filme dentro do filme poderiamos pensar que é Charles o protagonista, mas não. Esse papel vai para Joe e para Alice, o inevitável par romântico que neste caso está no início da adolescência. Se Joel Courtney faz neste filme o seu primeiro papel e promete muito para o futuro a Elle Fanning já tem mais alguns filmes de experiência mas é aqui que me faz dizer, confiantemente, que tem tudo para ser uma das grandes actrizes do futuro. Dois trabalhos brilhantes, dos quais não fica atrás Ryan Lee, enquanto principal comic relief.

Estes seis amigos fazem um conjunto cinematográfico como não se via desde os quatro de Stand by Me e, no meio de tanta explosão, conseguiram fazer-me rir bem mais do que na maioria das comédias deste ano. É pena, portanto, que o extraterrestre acabe por estar a mais na história, pois se o filme se se focasse apenas na humanidade dos personagens (humanos) poderiamos estar perante um E.T. para a nova geração.

P.S.: Não saiam logo que começam os créditos, ao fim de uns segundos começa "The Case", o filme que os miúdos filmaram.

Angèle et Tony

2011-08-19T00:17:00.000+01:00

Angèle et Tony:

Já o disse aqui algumas vezes e continuarei a dizê-lo enquanto for verdade: o Verão está para o cinema como a Caras está para a imprensa...quem programa as exibições em sala deve pensar que lá porque está calor não gostamos de pensar e, consequentemente, espeta-nos com blockbusters atrás de blockbusters (tanto bons como de terceira categoria), mas felizmente de vez em quando surgem boas surpresas como Angèle et Tony.

Soube deste filme por causa do trailer, que passou antes do The Conspirator, fui vê-lo já há quase uma semana e agora sinto-me na obrigação de espalhar a boa nova: no Verão também há filmes de jeito!

Um aviso àqueles que clickaram no link e viram o trailer: o ambiente do filme é menos "contente" que aquele que o trailer deixa passar, é uma história mais feita de silêncios e reflexão, mas não, não é uma estopada intelectualóide.

A história é de amor, de como por vezes não são as pessoas mais parecidas connosco as mais indicadas para nós. Por vezes são os extremos que se atraem (como nos ímans) e por vezes, mais raramente, precisamos de uma pessoa com características diametralmente opostas para nos sentirmos completos e mais equilibrados.

Angèle é a protagonista que se envolve com Tony. Tem um passado obscuro, o qual não partilha de imediato, e inicialmente as suas intenções não são as melhores. Tony é o homem que a contacta através de um petit annonce num jornal; vive numa aldeia piscatória, precisa de companhia feminina e de alguém que o ajude a cuidar da mãe, sozinha desde que o pai - pescador - desapareceu no mar.

A narrativa deste filme não é inovadora, já que segue a estrutura mais batida neste tipo de filmes, a (grande) diferença é que aqui os papéis não são os mais óbvios e as interpretações são fora de série.

Grégory Gadebois vai bem como um Tony taciturno e tão agressivo como a sua comunidade piscatória espera de um verdadeiro homem, mas - perdoe-me o Grégory - quem rouba o espectáculo todo é Clotilde Hesme. É verdade que o facto de não a conhecer ajuda muito, mas não consigo imaginar outra pessoa para fazer de Angèle, é simplesmente perfeita.

Em conclusão, se gostam de filmes com substância, mesmo no Verão, vão ver. Se gostam de cinema francês no geral vão ver. Se estão à espera de explosões e tiros, se calhar é melhor optarem por outra coisa, talvez a minha próxima SMR seja mais indicada.

Chloe

2011-08-17T00:23:00.002+01:00

Chloe:

Já vi este filme há uma data de tempo e confesso que me marcou tanto que quase nem me lembro dele. Fiquem, por isso, com as notas que tirei quando o vi:

"Girlfriend experience; Música clássica rápida; Porque é que haveria de estar a chorar?; História do chinês; Plano demasiado rebuscado; No fundo parece gostar"

Daqui tirem as vossas conclusões. Para vossa referência a "história do chinês" é uma história de Macau que não sei se é verdadeira ou se será mito urbano: um chinês podre de rico soube que a mulher o traía e resolveu vingar-se. Em vez de se divorciar ou sacar de uma caçadeira não, foi bem mais rebuscado: contratou uma prostituta para se fazer ao homem com quem a sua mulher o traía. O plano resultou e a mulher acabou por morrer. Porquê? A prostituta tinha uma doença sexualmente transmissível qualquer, que passou ao amante, que a passou à senhora. Fim.

P.S.: Esta semana devo meter aqui duas SMR, tenho que pôr o blog a par do que ando a ver!

Fantasia Lusitana

2011-08-03T20:45:00.001+01:00

Fantasia Lusitana:

Se tivesse de reter apenas uma só frase deste filme essa frase seria de Antoine Saint-Exupéry (sim, o do Principezinho), que descreve o Portugal que visitou nos anos 40 como "um paraíso triste".

Saint-Exupéry é um dos três autores estrangeiros cujas descrições do Portugal dos anos 40 são usadas como voz off a este interessantissimo documentário de João Canijo. As imagens que as acompanham são de fantasia, a tal fantasia lusitana que o Estado Novo promovia incessantemente e que - como ouvimos nas palavras dos nossos interlocutores estrangeiros - estavam longe da realidade.

O contraste é chocante. Usando imagens de arquivo da RTP e da Cinemateca vamos acompanhando alguns eventos importantes dessa altura, como a Exposição do Mundo Português (a Expo dos nossos pais ou avós), as visitas das grandes estrelas internacionais ao Casino do Estoril ou, mais tarde, a inauguração do Cristo-Rei. Em todas estas reportagens passa a mensagem de que Portugal é uma pátria milenar, salva dos horrores da Segunda Guerra Mundial pela política de neutralidade (i.e., apoiar ambos os lados, consoante pendesse balança) do "salvador da pátria" Salazar, e que voltará aos seus dias de glória num futuro próximo, se Deus quiser.

As descrições feitas por Saint-Exupéry (bem com Alfred Döblin, autor de Berlin Alexanderplatz, e Erika Mann, filha de Thomas Mann) acerca da sua passagem por este cantinho à beira mar plantado são, contrariamente às reportagens de que falei acima, isentas da censura do Estado e - como tal - infelizmente mais realistas. Portugal é descrito como um paraíso, realmente, um porto de abrigo para todos aqueles que tiveram a sorte de chegar cá, fugindo da insana perseguição nazi. É no entanto, como já referi, um paraíso triste, um porto de abrigo onde só se fica enquanto não se apanha outro barco, para terras mais fecundas, onde os sonhos se podiam tornar realidade.

Sempre me interessei muito por história e, por causa disso, sempre falei muito com o meu avô (nascido em 1916) sobre a vida que tinha nesses tempos. Ele infelizmente já faleceu e nunca viu este filme, mas tivesse-o visto e decerto diria que as descrições sonoras são mais realistas que o que se via na televisão do Estado. O famoso mito urbano de uma sardinha por família não é tão mito assim e sempre soube que o meu avô, filho de agricultores da região de Paredes, teve o seu primeiro par de sapatos aos 14 ou 15 anos de idade...

Porque é que somos assim? Não duvidem, o Portugal de 2011 continua a ser o paraíso triste que era em 1940, um país que poderia ser perfeito para viver mas que cada vez mais vejo como um excelente destino temporário, nada mais. Como alguns de vocês saberão, a minha namorada é uma alemã apaixonada por Portugal. Foi ela que me disse - com o distanciamento que nos permite fazer melhores observações - que achava que o problema deste país não são as pessoas, nem os governantes, o problema é a nossa mentalidade colectiva: somos um povo altamente desmotivado e isso reflecte-se no todo.

Tenho de concordar com ela, sabem? Talvez tenha sido o Estado Novo a tirar-nos a fibra que outrora tivemos e que nos levou a descobrir o mundo, ou talvez fosse um mal que já vinha de outros tempos, mas enquanto não levarmos uma desfibrilação colectiva não deixaremos de estar na cauda da Europa, contentes por sermos os mais pobres dos ricos. Não será Deus que mudará o nosso destino, temos de ser nós.

José e Pilar

2011-07-29T09:33:00.000+01:00

José e Pilar:

José Saramago, o famoso escritor português, não escrevia histórias de amor. José Saramago, o homem, teve a partir dos 63 anos uma grande história de amor, e este filme mostra o seu epílogo.

O grande amor de José Saramago é Pilar del Río, jornalista espanhola que muitos criticam por ter "roubado" o nosso escritor para Lanzarote mas que, segundo o autor, o fez rejuvenescer. Diz Saramago a Pilar, no início do filme, que se tivesse morrido antes de a ter conhecido, aos 63 anos, morreria mais velho do que será quando chegar a sua hora. Melhor que uma frase-feita tirada de um cartão, não?

Pilar del Rio é mais do que a mulher de Saramago, é a sua melhor amiga, a sua secretária, sua tradutora e presidenta da sua fundação. São, aliás, essas funções que a vemos assumir primordialmente durante o filme, mas o amor está lá sempre, em pequenos gestos como aquele em que vemos um Saramago já idoso, meio perdido, à procura da mão de Pilar enquanto uma multidão anónima lhe canta os parabéns. Pilar é, também, a luz no meio daquela multidão.

Sabem quando alguns filmes usam um artifício em que tudo aparece em fast forward excepto o que se quer destacar, que permanece imóvel ou move-se com muito mais elegância? Foi essa imagem que mais me surgiu mentalmente neste filme de Miguel Gonçalves Mendes, mesmo que não tenha surgido uma única vez no ecrã. Ao longo das mais de duas horas do documentário acompanhamos Saramago no rebuliço que era a sua vida antes de adoecer seriamente, em 2008. Vemo-lo em Espanha, Brasil, Portugal, Estados Unidos, com pessoas como Gabriel García Márquez, Gael García Bernal ou Tarja Halonen, Presidenta da Finlândia. A vida de Saramago era como a sua escrita, imparável.

Segundo me parece, Saramago usava os seus livros para explorar pormenores extraordinários (ainda que fictícios) de histórias ditas normais, este filme - por ter tido a ousadia de se focar no que à partida poderia ser menos relevante - faz o mesmo, pega num dos escritores mais famosos do seu tempo e quase não fala da sua obra, falando antes da sua vida. José e Pilar não trata de Saramago o escritor, trata dos últimos dias de José, um homem apaixonado por uma mulher apaixonada por si. E por assim ser é um grande filme.

The Conspirator

2011-07-26T21:49:00.002+01:00

The Conspirator:

Saído dos meus exames da Ordem dos Advogados, sabendo que não ia ao cinema há mais de um mês (quase um record negativo, para mim) resolvi ir ver um dos poucos filmes que me pareciam diferentes da norma que durante o Verão enche as salas de cinema de pequenos pedaços de bosta cinematográfica.

O realizador era o Robert Redford, logo a coisa garantia um mínimo de qualidade. E realmente nesse aspecto não desilude. O senão é muito específico para mim e para o dia em que vi o filme...trata-se um filme de Tribunais, e depois de três semanas e meia a pensar em nada senão Tribunais a opção não se revelou a melhor.

Mas, perguntam-me vocês, noutra altura ou para pessoas que não têm de estudar essas coisas chatas, o filme é giro? E eu respondo que sim, é giro, está bem feitinho (se bem que a nível de interpretações não achei nada de maravilhoso, tirando talvez a Robin Wright) e se gostarem de filmes históricos vão entreter-se com uma série de pormenores que, tendo em conta a chancela da American Film Company, são garantidamente historicamente correctos.

Este filme em concreto conta-nos a história do assassinato do meu Presidente dos Estados Unidos da América favorito, o Abraham Lincoln. Mais precisamente, conta-nos a história de Frederick Aiken (aqui interpretado pelo James McAvoy), um veterano da guerra civil americana a quem, sendo também advogado, é confiada a defesa de Mary Surrat, a única mulher acusada pela conspiração para matar o presidente. E são abordadas duas importantes questões para todos aqueles que têm esta profissão: "quando não acreditamos que o nosso cliente é inocente devemos defendê-lo?" e, mais tarde, "quando alguém comete actos de uma barbaridade imensa merece ainda assim todas as garantias de um Estado de Direito?". Deixem-me as vossas respostas nos comentários, começemos a discussão!

O Frederick Aiken real de certeza que passou muitas noites em claro a pensar neste tipo de questões. Vocês terão as vossas respostas se o virem e se reflectirem sobre o assunto, eu cá cheguei às minhas depois de pensar muito nisso durante a sessão, e qualquer sessão que me faça pensar é uma boa sessão para mim. Mesmo que já esteja cansado de Direito e Tribunais.

Novidades no facebook

2011-07-15T13:37:00.000+01:00

Por sugestão do André Lopes d'Oliveira fiz algumas mudanças ao facebook do estaminé. Espero que agora já não se passem meses sem updates quando o blog é actualizado uma ou duas vezes por semana.

Todos comigo: obrigado André!

Senna

2011-07-13T20:53:00.000+01:00

Senna:

A 1 de Maio de 1994 fui ao cinema com o meu pai, às Amoreiras, ver um filme que não me recordo qual foi. Quando saí, olhei para as televisões de um café que existia junto às salas 1, 2 e 3 e vi imagens em directo da RTP. Naquele tempo a Formula 1 ainda passava em canal aberto e nesse dia as imagens não eram belas, como costumam ser nas corridas de automóveis. Passava naquela televisão a imagem de um carro da Williams Renault completamente desfeito e eu, que na altura seguia atentamente esse desporto, pensei para comigo mesmo "Fogo, o Damon Hill não pode ter ficado bem". Pensei-o porque nunca imaginei que o Ayrton Senna, piloto principal da equipa e meu ídolo na altura, pudesse sofrer acidentes daqueles.

Passados uns minutos fui para o carro e foi na rádio (TSF, que ainda hoje oiço) que me deram a má notícia: o tal acidente que tinha desfeito o Williams Renault tinha acontecido ao Ayrton Senna e ele estava pior do que mal, estava morto. Lembro-me que quando cheguei a casa, ao voltar a ver as imagens, chorei. E quase no final deste filme quase que chorei de novo.

Senna, documentário de Asif Kapadia, leva-nos numa viagem à carreira daquele que ainda hoje considero o melhor piloto de Formula 1 de sempre, desde os seus inícios nos Kart até àquele malfadado fim de semana onde para além de Senna morreu o piloto Roland Ratzenberger e o Rubens Barrichello e mais uns quantos espectadores, atingidos por um pneu que saltou de um carro, ficaram gravemente feridos.

Referi mais acima que o Senna era o meu ídolo na altura (sim, por volta dos 11 anos ainda tinha sonhos de chegar a piloto da Williams, como ele) mas não era só ídolo de um puto português...era-o para toda uma nação que, vivendo numa miséria que hoje já conseguiu em grande medida superar, via no futebol e naquele piloto maravilha um motivo de orgulho para se ser brasileiro. Por este motivo fico contente por o realizador não ser brasileiro (é inglês, de origem indiana), caso contrário poderia haver uma tentativa de endeusamento de Senna, que não existe aqui.

É verdade que não o pintam como o mau da fita, esse papel cabe inteiramente ao Alain Prost, com quem Senna teve uma enorme rivalidade durante a sua carreira. Através de Prost e de Jean-Marie Balestre, francês presidente da FIA na altura, que vemos a importância da política na Formula 1...Prost tinha de ganhar e, no Grande Prémio do Japão de 1989 o título foi-lhe dado de uma forma que ainda hoje é criticada por muitos pilotos e dirigentes. O filme podia ficar-se por aí mas não fica, e mostra-nos que no ano seguinte, outra vez no Grande Prémio do Japão, o Senna fez o oposto e ganhou o campeonato de uma forma não muito leal: "either win or forget it", como o ouvimos dizer no início do filme.

Mas Senna, o filme, é muito mais do que uma retrospectiva da sua carreira (apesar de ter imagens fabulosas, para aqueles que gostam de automobilismo). Kapadia foca-se muito nos bastidores, mostrando imensas entrevistas aos pais, a outros pilotos que competiram com ele e a um dos grandes amigos de Senna no desporto, Sid Watkins, chefe de medicina da Formula 1 e a pessoa responsável pelas tentativas de reanimação quando Senna morreu.

Nem as imagens nem nenhum dos testemunhos ouvidos nos dão respostas quanto ao que se passou na curva de Tamburello, na volta número 7 do Grande Prémio de San Marino de 1994, mas enquanto via a última volta feita por Senna sempre na perspectiva do seu cockpit foi-me muito difícil não me emocionar como me emocionei no dia em que aconteceu. Mas a mais sabendo que Senna tinha no seu corpo a bandeira da Áustria, país de Ratzenberger, planeando desfraldá-la em sua homenagem caso vencesse a corrida.

Desde esse dia nunca mais morreu ninguém na Formula 1.

Enter the Void

2011-07-02T01:03:00.001+01:00

Enter the Void:

Enter the Void começa muito bem! Tem provavelmente a melhor sequência de créditos iniciais desde o Catch Me If You Can e com essa sequência consegue pôr-nos em sentido, preparar-nos mentalmente para o que aí vem. Ou, com muita pena minha, o que seria bom que viesse.

Depois dessa sequência de créditos muito acima da média (mas que, devo avisar, não é nada amiga de epilépticos) acordamos em Tóquio. E quando digo acordamos refiro-o literalmente, uma vez que é Oscar (Nathaniel Brown, num papel ingrato - já vão perceber porquê) que acorda, no apartamento que divide com a irmã, na capital japonesa. E quando ele acorda nós acordamos com ele, pois durante a primeira meia hora do filme somos Oscar; vemos tudo na sua perspectiva (o plano é continuamente subjectivo), vemos o que ele vê, piscamos os olhos quando ele pisca os olhos e tripamos com drogas quando ele o faz também (numa sequência que me fez lembrar o ponto mais controverso do The Tree of Life, mas em muito menos interessante).

Oscar é consumidor de drogas (a trip que testemunhamos é de DMT), percebemos logo; a sua irmã não gosta disso, também rapidamente o percebemos; o que não sabemos quase de início é que para além de consumidor Oscar também vende droga e que por causa disso os seus olhos vão levar-nos até ao The Void, um bar onde tudo muda.

Muda na vida de Oscar e muda no filme, porque se até ali a coisa estava a resultar bem a partir dali (e são quase duas horas depois dessa ida ao The Void) depois disso dei por mim a lutar aguerridamente contra a tentação de desligar o DVD e ir fazer algo mais útil como dormir, ler ou olhar para uma parede a ver a tinta a secar. Se até esse momento acompanhamos Oscar, depois iremos observar as consequências dessa entrada no The Void (já perceberam o título?), tanto em Oscar como naqueles que com ele estão relacionados.

Gaspar Noé, o realizador, já provou que gosta muito de inovar visualmente. É dele um dos filmes mais polémicos da década passada, o Irréversible, uma obra à qual - no meio de toda a polémica - não se deu o devido valor às suas opções visuais. Aqui será impossível não reparar o aspecto visual: vejam o poster do filme...é essa a estética de grande parte do que poderão ver, altamente psicadélico. É uma estética interessante, baseada com toda a certeza no mundo de neons que deve ser a noite de Tóquio e não vai ser por aqui que alguém pegará neste filme para o criticar. O problema é mesmo a falta de foco.

Durante as quase duas horas que se passam depois da entrada de Oscar no The Void andamos a saltitar de um lado para o outro, testemunhando de forma quase voyeuristica (e com uma câmara que não pára quieta, ao estilo da cena inicial do Irréversible) pequenos momentos da vida de todos os personagens que conhecemos através do corpo que habitamos inicialmente. Poderia ser uma ideia interessante (eu cá penso que a ter de continuar teria sido melhor continuar com o estilo inicial) mas é dddeeemmmaaasssiiiaaadddooo lllooonnngggooo eee aaabbbooorrreeeccciiidddooo.

Imaginem que eu escrevia este post todo assim, carregando três vezes em cada tecla...o texto seria muito mais longo e se eu fosse pago para fazer este blog provavelmente até me pagavam mais, mas não tornava a SMR mais interessante, antes pelo contrário. É por isso que, por essa parte final, Enter the Void tem direito a tornar-se mais um exemplo para a lista de longas que deveriam ser curtas. Os 120 minutos finais destruiram completamente a vontade que tinha de elogiar os 30 iniciais.

Cedar Rapids

2011-06-29T22:02:00.001+01:00

Cedar Rapids:

Cedar Rapids, a segunda maior cidade do estado norte-americano do Iowa tem cerca de cento e trinta mil habitantes e tem como principal aspiração à fama ser a cidade natal do Ashton Kutcher e do Elijah Wood. É uma cidade desinteressante, num dos Estados mais desinteressantes dos Estados Unidos da América. Só uma pessoa Tim Lippe poderia achar que Cedar Rapids é uma versão mais amena de Las Vegas.

Quem é Tim Lippe? Antes de mais é o Ed Helms, mas para além disso é um vendedor de seguros que, por morte de um seu colega, se vê forçado a ir a Cedar Rapids, a uma convenção regional de vendedores de seguros e (tentar) ganhar, pela terceira vez consecutiva, o Two Diamonds Award. Tim vem de Brown Valley, Wisconsin, uma terra que (segundo consegui apurar) não existe mas que, por comparação, deve ser tão animada como Cortes Pereiras, concelho de Alcoutim.

Tim, claro está, é um geek mas daqueles! Nunca saiu da sua terra, todas as quartas feiras tem sexo com a sua antiga professora de Biologia (e está apaixonado por ela, achando que é correspondido), usa uma bolsa para guardar valores junto à barriga porque vai à grande cidade (Cedar Rapids), etc. etc. etc. Estão a ver o personagem do Steve Carell no Dinner for Schmucks? É tipo isso, mas menos estúpido e num filme menos cruel mas com pouco mais piada.

Tim é um peixe fora de água, e o filme é uma comédia declaradamente desse género, mas os restantes personagens (que incluem na lista de actores um John C. Rilley que agora só faz filmes da trampa e a Anne Heche, raro ponto positivo neste filme) também o são. Parafraseando o Triunfo dos Porcos, todos são geeks, mas uns são mais que outros.

Em Cedar Rapids Tim vai deixar de ser o idiota que é e, era certinho, vai crescer com as experiências que viveu, pena é que quase nada tenha graça num filme que supostamente a teria. Não tenho um clicker mas posso dizer-vos com certeza absoluta...ri-me três vezes durante os oitenta e sete minutos do filme, o que dá uma gargalhada a cada vinte e nove minutos. Digamos que se Tim fosse tão (in)competente a vender seguros como esta comédia foi a fazer-me rir podia bem dizer adeus ao seu desejado prémio.

P.S.: Uma informação para colocar os meus queridos leitores em contexto: Cedar Rapids, Iowa, deve ser tão interessante que este filme nem sequer foi lá filmado.

P.P.S: Nota para mim próprio: Joãozinho, não podes esperar que um filme que tem um poster como este venha a ser algo que se aproveite.

Get Low

2011-06-27T21:13:00.003+01:00

Get Low:

É comum dizer-se que Hollywood não é amigo de actores velhos. É uma indústria baseada na juventude e que papéis para pessoas com mais de 50 ou 60 só mesmo para servir de avós aos protagonistas. Pois se essa é a regra, Get Low é a excepção.

O protagonista, Felix Bush - interpretado pelo Robert Duvall, já com 80 anos - sente que está com os pés para a cova e decide começar a preparar a sua partida. O problema? Há 40 anos que vive como um eremita na sua cabana, não fala com ninguém e todos seus vizinhos têm medo dos muitos rumores que já ouviram sobre ele. A solução? Falar com o agente funerário da terra (o Bill Murray, 20 anos mais novo) e em troca de um punhado de dólares fazer uma festa de funeral (em que festa é a operative word) onde todos aqueles que queiram falar sobre ele o possam fazer.

A preparação da festa torna-se difícil. Em primeiro lugar estamos em finais do século XIX e como tal a ideia de uma festa relacionada com um funeral é de difícil aceitação, ainda mais quando o morto que se festeja ainda está vivo. Em segundo lugar porque, durante os 40 anos de reclusão a que se forçou, Felix manteve a dureza dos velhos tempos e os únicos contactos que tem com o mundo exterior são as janelas que as crianças da vila lhe partem à pedrada e os tiros que recebem como resposta. Digamos que não são termos propriamente amigáveis e Frank (o agente funerário) vai ter de se esforçar.

A festa lá acontece e é durante a mesma que finalmente Felix esclarece o que se passou para se ter forçado àquela "prisão sem grades", como ele próprio caracteriza a sua solidão forçada. Não vos vou dizer essa razão sob pena de vos estragar o filme, mas vou adiantando que, apesar de pôr em causa uma amizade recentemente reatada, a história que Felix tem para contar sobre si próprio promete mais do que acaba por cumprir.

E é esse o grande problema deste filme que, caso contrário, estaria mais acima na minha lista de recomendações. As interpretações dos "idosos" Duvall, Murray e Spacek (Sissy Spacek) mostram que a experiência está intimamente ligada à sua qualidade, o look do filme está muito bem conseguido (imaginem um western sem tiroteios) e o crescendo até à famosa festa mantém-nos muito interessados no que se está a passar...apenas para depois acharmos que a revelação poderia ser melhor.

É uma oportunidade perdida num filme que, não sendo uma prioridade, não deixa de ser um bom programa para quem goste de cinema com uma alma que só a idade consegue transmitir.

The Beaver

2011-06-21T21:13:00.001+01:00

The Beaver:

The Beaver vai dividir o mundo em três grandes grupos: os que nunca sequer ouviram falar dele, os que ouviram e dizem que é uma comédia e os que ouviram e dizem que é um drama. A diferença entre os dois últimos? Os primeiros não viram o filme e os segundos sim!

É verdade que esta história tinha sido inicialmente pensada como um "veículo" para a comédia física do Jim Carrey, e também é verdade que a dada altura era o Steve Carell a pessoa de quem se falava para o papel principal. Mas depois de ambos esses rumores a realizadora menos provável pegou no filme, deu-o a uma estrela que não é de comédia e transformou o que poderia ser um grande disparate num dos dramas que mais me tocaram. A realizadora é a Jodie Foster e a estrela o Mel Gibson, ideal para o papel que representa dados os seus próprios dramas pessoais.

Como é que uma história que era para ser uma comédia do Jim Carrey passa para drama com o Mel Gibson? Fácil de entender...o protagonista, Walter, é um homem profundamente deprimido que usa um fantoche (um castor) para se afastar da sua própria personalidade e a partir daí iniciar a sua recuperação; uma premissa que daria para os dois lados, realmente.

A escolha, a meu ver, foi a mais acertada e confesso que me custou ouvir várias pessoas a rir em cenas profundamente dramáticas como aquela em que Meredith (Jodie Foster, que também entra no filme como actriz) tenta explicar ao marido que não quer festejar o seu aniversário de casamento a três (castor incluído) mas apenas com o marido. Sabem quando vamos ver um filme e assustamo-nos com coisas que não nos assustariam se não soubessemos que era de terror? Creio que aqui se passa algo de semelhante.

Quanto à "cura milagrosa" de Walter, de início é bem aceite por (quase) todos - o quase devendo-se a Porter (Anton Yelchin), o seu filho mais velho e protagonista de um sub-plot também ele interessante - mas mais cedo ou mais tarde as ilusões desaparecem e chega-se a uma conclusão: Walter caiu num buraco negro, a depressão não se foi embora...está é escondida por detrás da "máscara" do castor, que dá liberdade a Walter para dizer sobre si próprio que é um homem irremediavelmente perdido. E com ele arrasta a sua família.

A dada altura, Walter - através da sua nova personalidade - diz algo que me tocou imenso dado o estado de espírito em que vi o filme; não me lembro da citação correcta mas as minhas notas dizem "porque é que dizemos sempre everything will be alright?" Claramente Walter não está bem, usou um método que tinha à mão (literalmente ;)) e sofreu as consequências - positivas e negativas - dessa escolha. Nem sempre as coisas têm de acabar bem.

Como talvez saibam o Mel Gibson também tem andado na mó de baixo e neste filme consegue a sua ressurreição (ele que já tinha filmado uma em The Passion of the Christ). Já sabia que a Jodie Foster era brilhante mas aqui mais uma vez provou que não há nada como ser-se inteligente para se chegar longe: é verdade que é amiga do Mel Gibson mas independentemente disso fez uma escolha de casting perfeita e conduziu o filme numa linha muito estreita entre o que poderia ter sido uma comédia desastrosa e o que poderia ter sido um drama choramingão...o resultado desta sua destreza de realização? Um filme que poucos irão ver (teve muito pouca distribuição) mas que marcará e muito aqueles que o viram.

Rewers

2011-06-19T20:29:00.000+01:00

Rewers:

Rewers é um filme polaco que poucos ou nenhum de vocês irá ver, mas deviam. Deviam porque se trata de um filme bastante interessante, que merecia uma distribuição mais alargada.

É um daqueles casos em que o conteúdo é menos importante que a forma, e juro que não estou a dizer isto por não a ter compreendido completamente. Se esta história fosse contada de uma forma mais normal, por assim dizer, não tinha metade da piada.

Aliás, digam-me vocês: a história de uma rapariga solteira que vive com a mãe e a avó num apartamento que não se rende aos seus tempos, a Polónia de 1957, parece-vos interessante? Mesmo que as insistências de avó e mãe em arranjar namorado à rapariga levem o argumento para terrenos mais próximos de um thriller de espionagem?

Pois agora juntem-lhe um look tipo Jean-Pierre Jeunet. A coisa já se torna mais gira, não é? Pois é esse look que dá uma data de pontos ao filme. Borys Lankosz (o realizador) consegue manter o interesse visual durante toda a sessão e até as escolhas de casting (nomeadamente Agata Buzek, a protagonista que aparece no poster lá mais para cima) parecem perfeitas para ajudar ao look cartoon que só pode ser propositado.

Imaginem o Sin City filmado com meios e um orçamento adequado à Polónia - que, não duvidem, é bem superior ao português - e conseguem ficar com uma boa ideia do que se passa em Rewers.

The Tree of Life

2011-06-14T20:44:00.001+01:00

The Tree of Life:

Fazer a SMR a um filme como o The Tree of Life é muito difícil - é por isso que demorei quase uma semana a fazê-la - isto porque o seu realizador é o Terrence Malick, também conhecido como sendo (a nível estético) o melhor realizador vivo, e porque The Tree of Life estaria bem lá em cima numa lista que enumerasse os filmes que já analisei do melhor até ao mais fraco.

A história é tão grande como o Universo, literalmente. Pelos olhos de Jack (Hunter McCracken e, mais tarde, Sean Penn) testemunhamos uma história que tanto se passa no seu imediato, o pai duro (Brad Pitt, em grande) e a mãe branda (Jessica Chastain), como no Universo, como no microcosmos, assim como no tempo em que o "nosso" planeta não era habitado por nós...tudo realidades mostradas por Malick, que de uma forma kubrickiana nos mostra close ups tanto de planetas como de células.

Parece ambicioso e não há dúvida que o é, mas a ambição está mais em segundo plano do que propriamente na tela. Tirando uma sequência no primeiro terço do filme (que peca por ser demasiado longa, derradeiro problema na filmografia de Malick) a grande fatia da história é a de Jack, ora criança ora adulto que recorda o irmão no aniversário da sua morte.

Uma das falas iniciais do filme diz-nos "There are two ways through life: the way of nature, and the way of Grace. You have to choose which one you'll follow". O filme mostra-nos ambos os lados dessa dualidade através dos pais de Jack (como já tinha dito, aliás) mas não nos deixa muito espaço para escolha: não conheço as crenças de Malick mas este filme, mais do que em todos os outros, a via escolhida é a da Graça...não necessariamente cristã, mas uma crença ainda assim. Não é por acaso que a voz off (outra marca típica deste realizador) é quase sempre sussurrada, como se de uma oração se tratasse.

Também não é por acaso que o final do filme é muito mais abstracto do que o que até então se passou. A mensagem é simples: a nossa vida é mais do que a vida, mas ao vermos aquele deserto salgado podemos pensar em muitas coisas...e não é essa a magia do cinema? Pegar nas nossas experiências pessoas para nos fazer viver uma história à nossa maneira?

O filme estreou em Cannes depois de anos de atrasos (mais uma característica do realizador), teve uma primeira recepção muito fraca (penso que por causa da tal sequência inicial, que não deveria estar no inicio) mas acabou por ganhar a Palma de Ouro, um dos prémios de cinema mais importantes do mundo. Muitos odiaram o seu ritmo demasiado lânguido que se traduz num filme longo, muitos mais odiaram a famosa sequência, outros - como eu - consideram-no uma das obras primas do cinema no século XXI.

Só vos posso, portanto, recomendar que o vejam. Mesmo que não gostem vão sair da sessão com uma maior cultura cinematográfica. O cinema está vivo em Terrence Malick.

Kaboom

2011-06-08T02:03:00.001+01:00

Kaboom:

Tal como o filme que analisei ontem, Kaboom foi um dos filmes sensação do Indie Lisboa 2011. Tendo sido apelidado de "o novo Shortbus" pela revista Time Out este é - antes sim - um dos piores filmes que já vi na vida! Não a um nível A religiosa portuguesa, é certo, mas a um nível The Room sem ter passado a barreira do tão mau que é bom.

A sério, a desgraça é tanta que juro que pensei que no final iriam mostrar um ecrã a dizer algo do género "Sim, nós sabemos que isto é muito mau, mas é de propósito. Estamos a fazer uma experiência sociológica e por isso pedimo-vos que digam que o filme é bom. Mantenham a mentira, para ver a reacção dos demais espectadores." Mas não, meus amigos, este filme não é uma experiência sociológica, é só mau. Tão mau que dói.

A história é a de Smith (Thomas Dekker, que talvez conheçam do Heroes), estudante universitário bisexual a dar para o gay. (Talvez daqui a comparação ao Shortbus?) Na Universidade, Smith tem uma melhor amiga, uma fuck buddy, um fuck buddy e um room mate chamado Thor, por quem tem um grande crush. Só a melhor amiga vem da sua vida passada, todos os outros são conhecimentos já dos tempos da Universidade. Or are they?

De uma comédia universitária muito manhosa a história entra numa espiral descendente absolutamente estapafúrdia e o terço final é, no mínimo, indescritível.

A verdade é que há muita gente que gosta deste filme, achando a avalanche de disparates divertida, mas para ser muito honesto não consigo perceber. Ou o filme é realmente mau de propósito (sem o tal ecrã que referi acima) e aí dou os meus parabéns ao realizador, Gregg Araki, ou então não há mesmo qualquer salvação e as próprias bobines que o contêm merecem que lhes aconteça na realidade o que acontece ao nosso planeta no final desta trapalhada.

E sim, Gregg Araki, leram bem. O realizador de Misterious Skin (filme de que não gostei especialmente mas ao qual reconheço bastantes méritos) já provou que é melhor que isto, não consigo mesmo perceber o porquê de optar um filme que - não sabendo quem o realizava quando o vi - pensei sempre ser um trabalho de final de curso de um qualquer aluno de cinema frustrado.

Les amours imaginaires

2011-06-07T01:07:00.000+01:00

Les amours imaginaires:

Este filme passou no Indie e causou tanto sucesso (esgotou ambas as sessões, e eu não consegui ver nenhuma) como alguma confusão em relação ao seu título. No francês chama-se Les amours imaginaires, mas também é bastante conhecido pelo título inglês, "Heartbeats". Eu defendo e uso os títulos originais sempre que consigo e neste caso há uma vantagem adicional: Les amours imaginaires, os amores imaginários, resume tão melhor a história que vamos (ou não) ver!

Como podem constatar pelo poster, Nicolas é um daqueles jovens com ar de anjinho por quem muito boa gente se deve apaixonar. Neste caso quem fica de beicinho é Francis (interpretado pelo realizador, Xavier Dolan), e a sua melhor amiga Marie (Monia Chokri). Ambos vão iniciar uma competição saudável pela atenção de Nicolas que, divertindo-se, aproveita os bons momentos com aqueles dois amigos.

O dilema surge é com as atitudes de Nicolas. Não tendo um estereótipo sexual claramente identificado ele também não se demonstra só interessado por um ou por outra...e ambos ficam frustrados com isso. Mas vejamos as coisas da perspectiva de Nicolas: o rapaz é podre de rico (pelo menos assim nos dão a entender numa das cenas), está habituado a ter tudo, foi criado por uma mãe toda artística e claramente agrada-lhe a atenção que sempre recebeu de todos e todas que vai conhecendo. Será que para ele a relação com Francis, ou com Marie, é assim tão diferente? Não! Aí estão os amores imaginários.

Esta relação tripartida pode trazer muita diversão aos envolvidos, mas também trará, é certinho, muito ressentimento. Ele realmente existe, mas o filme nunca se foca demasiado no negativo; a palete de cores é imensamente colorida e mesmo nos momentos mais cinzentos a cor não deixa de estar lá. No final de contas, a relação é - como disse - tripartida ... Marie e Francis podem ambos querer Nicolas, mas estão - estarão? - acima disso e, no final, acabarão por se rir de tudo aquilo.

Não é surpresa dado o histórico do realizador, mas a nível estético o filme é - no mínimo - fantástico. Começando com entrevistas tipo documentário em que várias pessoas nos falam das suas relações e da sua sexualidade, o filme desenrola-se quase normalmente com o tal colorido que já referi, mas é nos interlúdios em câmara lenta (propositada, mas não vou contar qual a razão) com uma banda sonora que nos agarra ao ecrã que sobressai (ainda) mais.

Os amores de Xavier Dolan podem ser imaginários, mas o meu amor por Xavier Dolan é bem real. Posso dizer-vos, convictamente, que estamos perante um dos melhores realizadores da nova vaga do cinema mundial. Recomendadíssimo!

Subtitle Girl

2011-06-02T02:04:00.000+01:00

Subtitle Girl:

(não é o poster do filme, claro, mas também não é um anúncio à Gilette...não há poster, arranja-se um frame)

Vamos ponto por ponto.

O título: Este filme tem um problema em comum com o blog que estão a ter o prazer de ler, porquê um título em inglês quando o filme é português e maioritariamente falado em francês? Eu confesso que a única justificação que tenho para o meu blog em português ter um título em inglês deve-se ao acaso...o meu LJ, onde as SMR foram criadas, chamava-se tales.from.the.outside.world:. e achei que este era um bom título para a secção de cinema. E tu, Gonçalo Soares, qual é a tua razão?

A história: Louis (assim mesmo à francesa, apesar do protagonista ser português) é um aspirante a artista e está aborrecido, como muitos os aspirantes a artistas costumam estar. Ao longo do filme acompanhamos as suas idas ao cinema (3 vezes num dia, se bem me lembro, é tipo eu durante o Indie), as suas tentativas falhadas de criar arte através de uma "inspiração" (para não lhe chamar outra coisa) noutros artistas e, finalmente, sabemos que se decidiu a apaixonar-se (interessante decisão). Por quem se apaixona? Pela rapariga das legendas que dá o nome a esta curta, a responsável pela legendagem do terceiro dos filmes que vê. É uma vida interessante? Nem por isso, mas muitas vidas aborrecidas já deram filmes muito bons.

A realização: A meu ver o ponto mais alto desta curta é a ideia de ter um dia tão banal narrado como se fosse digno de épicos históricos. O encanto da voz-off contrasta com o desencanto do protagonista e esse entusiasmo feminino é provavelmente a única coisa que faz o filme sobressair...se estivéssemos perante o mesmo filme sem a narração penso que não teria metade do valor e não nos ficaria na cabeça. Pena é o ser em francês! Não quero entrar naquela polémica que surgiu quando o Sam the Kid lançou o Poetas de Karaoke, mas tenho alguma pena que haja no cinema português uma tão forçada colagem à estética cinemática francesa...deviamos orgulhar-nos de ter a nossa própria escola, e usar a nossa língua deveria ser uma das bandeiras desse orgulho. Neste caso só se safam porque seria parvo um filme chamado Subtitle Girl que não tivesse legendas!

Tirando isso só queria deixar mais duas notas, uma positiva (mais ou menos) e outra negativa, e como quando me dizem "tenho uma boa notícia e uma má, qual queres ouvir primeiro?" escolho sempre a má vou começar pela nota negativa: normalmente queixo-me de filmes que deveriam ser curtas mas se alongam demasiado, aqui queixo-me do inverso! Não digo que haja história para fazer uma longa, mas a edição é demasiado rápida (sobretudo no início) quando penso que seria positivo demorarmos mais tempo quando o sentimento máximo que se pretende passar é o tédio.

E agora a nota mais positiva: o preto e branco é uma boa escolha. Muitas vezes realizadores menos experientes querem emular o que vêem no grande ecrã e acabam por querer mais do que a sua técnica (e o orçamento) permitem. Aqui o realizador Gonçalo Soares aproveitou bem as (presumíveis) limitações que tinha e optou por um preto e branco que mais facilmente embeleza imagens que a cores seriam negligenciáveis. No entanto esta opção tem um contra, em cenas em que é necessário grande contraste (como aquelas no cinema) a qualidade de imagem desce a níveis pré-VHS. Mas já estou a entrar em demasiados tecnicismos!

Em conclusão, sei que este foi um trabalho de final de curso e isso nota-se. Não é uma ideia particularmente original (mas nunca o ousou ser, o próprio filme está cheio de referências cinematográficas), a execução está ao nível do contexto (trabalho de final de curso, remember?) mas até tem algumas ideias interessantes: a escolha do preto e branco é boa, a ideia da voz-off é bastante boa, a própria voz é agradável (imaginem se não fosse, num filme tão dependente disso) e como tal não me posso de todo queixar. São 16 minutos bem passados.

Monsters

2011-05-25T23:09:00.003+01:00

Monsters:

Já devem ter reparado pelo tipo de filmes que analiso por aqui que algo chamado Monsters não é bem o meu tipo de filme. Mas este caso é diferente, li há uns tempos a crítica na Empire e fiquei curioso com a descrição que fizeram: é um misto de ficção científica com road trip, um filme de monstros para raparigas ou um romance para geeks. Algo deste género.

E não é que realmente o título é (meio) enganador? O filme tem os ditos monstros, mais precisamente seres extra-terrestes com uma altura entre 100 e 150 metros originários de uma das luas de Júpiter, mas é muito diferente do que costumamos ver neste tipo de filmes. Para fazer uma comparação assim a dar para o mais ou menos, este filme está para os filmes de monstros como o 2001: Odisseia no Espaço está para o Star Wars.

A história deve mais a um road movie que aos tais filmes de monstros: Sam é a filha do patrão de Kaulder e está (por motivos que desconheço) para lá da "zona infectada" que existe entre o México e os EUA. O pai de Sam usa as suas prerrogativas de chefe para fazer com que Kaulder - que é fotógrafo - tenha de abandonar a sua reportagem sobre os tais monstros e garanta que a filha do patrão chega bem a casa. O que é que se segue? Uma viagem México acima, até à "fortaleza" que os EUA ergueram para se proteger dos novos habitantes do nosso planeta.

Esta história com o muro dá logo que pensar numa eventual conotação política, uma comparação com o muro construído para deter os imigrantes mexicanos, mas segundo o realizador (Gareth Edwards, que fez tudo sozinho - já lá vamos) não era essa a intenção...a ideia dele era contar uma história que se passasse alguns anos depois dos demais filmes de aliens, quando as pessoas já estivessem habituadas, a vida seguisse a (possível) normalidade e a destruição provocada pelos "monstros" não se devesse a um eventual ataque mas sim a defesa de ataques humanos e à mera escala daqueles seres. Um bocadinho como o District 9 mas com "bichos" de 150 metros.

Outro dos pontos que trouxe Monsters para as luzes da ribalta foi o facto de, como já referi, ser um trabalho quase amador (mas altamente profissional!). Não houve guião, o realizador fez tudo menos tratar do som, o equipamento usado poderia ser comprado por nós numa qualquer fnac ou Media Markt, foi tudo filmado on location sem ensaios prévios e existem apenas dois actores (sendo que um deles não é)...todos os extras são locais que aceitaram fazer parte do filme enquanto a equipa de 7 pessoas viajava pela América do Sul numa carrinha alugada. A única actriz do filme é a protagonista feminina, Whitney Able, que só ganhou o papel por ser namorada do protagonista masculino, Scoot McNairy, que só ganhou o papel por ser um grande amigo do realizador.

O filme teve um orçamento perto dos quinhentos mil euros (muito pouco para este tipo de filmes), já deve ter feito umas 3 ou 4 vezes esse valor e só há pouco é que estreou na Europa continental. É um trabalho de um jovem que acreditou, conseguiu arranjar quem acreditasse com ele (e lhe desse algum dinheiro) e agora está a ter a confirmação do seu valor.

O filme é interessante, podia ser um bocadinho melhor (a relação entre Sam e Kaulder podia chegar ao fim de forma mais intensa, sobretudo se pensarmos que eles são um casal real), mas quando a história que está por detrás do filme é tão interessante como a do filme propriamente dito só podemos dar-nos por contentes.

Le concert

2011-05-24T20:56:00.000+01:00

Le concert:

Sabem aquelas pessoas que são uma coisa, queriam ser outra e andam a saltar de emprego em emprego (ou de relação em relação) até finalmente conseguirem o que achavam que queriam, para depois perceber que afinal também não era aquilo? Se fosse humano, Le concert seria uma dessas pessoas.

O início do filme é de longe o melhor: num estilo quase à Kusturica, Radu Mihăileanu começa por nos contar a história de Andreï Filipov, um ex-maestro do famoso Teatro Bolshoi, de Moscovo. Por motivos políticos Andreï perdeu o emprego ainda no tempo da URSS (segunda referência em 2 SMR's, é obra!) mas - depois de ter interceptado um convite do não menos famoso Teatro Châtelet - tem a oportunidade de pegar na sua velha orquestra, ir a Paris passando-se pelo Bolshoi e finalmente atingir a glória que lhe escapara há umas décadas.

O terço do filme em que Andreï procura convencer os ex-colegas a tentar novamente é por vezes hilariante, sempre divertido e a única parte do filme em que existe alguma preocupação com um mínimo de realismo da coisa. A partir daí é sempre tudo a descer.

Tal como as tais pessoas que andam sempre a saltitar, o filme decide a dada altura que afinal não quer ser uma comédia gira e passa a uma comédia tão exagerada que não tem piada e depois a drama familiar sem ponta por onde se lhe pegue. O momento em que isso acontece dá-se quando - orquestra montada - todos partem para Paris com passaportes e vistos falsos emitidos por uma família cigana em pleno aeroporto de Moscovo. Eu avisei.

Honestamente, parece mesmo que o filme teve duas equipas de produtores/realizadores/guionistas, uma em Moscovo e outra em Paris. Tudo o que se passa na chamada cidade luz requer do espectador uma tal suspension of disbelief que a dada altura o fardo se torna demasiado pesado e nem quem seja menos exigente pode deixar de reparar! Não acredito que haja uma única pessoa no planeta que seja intelectualmente capaz e que ache que a cena final seja possível, por muito bonita que seja. E sim, eu tenho noção que o Harrison Ford não poderia ser congelado em "carbonite" e sobreviver, mas em Le concert ninguém voa pela galáxia, andam de metro.

Ora, alguns de vocês poderão estar a pensar: "então mas este filme não teve um enorme sucesso e esteve umas 30 semanas em sala?" Sim, teve e esteve (não sei o número de semanas, though, estou mesmo só a lançar um número ao calhas) mas honestamente não consigo perceber o porquê...a banda sonora de Stravinsky é boa, algumas interpretações (as mais discretas) também são boas mas fica-se por aí...Imaginem um filme como o Saving Private Ryan. Agora imaginem que nesse filme todas as cenas eram exactamente as mesmas mas todos os soldados eram cegos. Acham que seria um bom filme? Não, tal como Le concert seria demasiado irrealista para se poder ter como tolerável.

Ile Wazy Kon Trojanski?

2011-05-23T00:12:00.001+01:00

Como sabem, aqui há uns tempos estive de férias e durante essas férias estive na Alemanha e na Polónia. O cinema alemão já vou conhecendo mais ou menos, o polaco nem por isso (não conhecia nada tirando o Kieslowski e o Skolimowski). Essa situação vai alterar-se em breve; trouxe uma série de DVD de lá e por isso não estranhem se nos próximos tempos o marcador Polónia daqui do blog cresça um bocadinho.

Como primeiro destes filmes polacos escolhi o

Ile Wazy Kon Trojansky?:

O título desta comédia/romance fantástico (as in cinema fantástico, não fantástico por ser bom) significa "Quanto pesava o cavalo de Tróia?" e, para ser muito honesto, é o elemento mais profundo de todo o filme...mesmo tendo em conta que a história envolve viagens no tempo.

A história é 1/3 Back to the Future, 1/3 Goodbye Lenin! e 1/3 Friends: no ano 2000, na véspera do seu quadragésimo aniversário, Zosia (Ilona Ostrowska, igual à Courteney Cox - daí o Friends) deseja voltar a ser mais nova. Pouco tempo depois esse desejo é concretizado, claro, mas de uma forma mais literal do que o desejado: Zosia viaja no tempo (não se sabe nem interessa como) e - tendo adormecido na Varsóvia de 2000 - acorda na Varsóvia de 1987, ainda sufocada pela URSS (daí o Goodbye Lenin).

Com uma moral de "cuidado com o que desejas" Zosia vai ter de tentar reverter o seu desejo. Isto porque, ao ter ficado mais nova Zosia voltou a estar casada com o idiota do seu primeiro marido (igual ao Sean Penn), vai ter de re-engravidar da sua filha e tentar com que o segundo marido se apaixone novamente por ela.

A ideia do filme é tentar apelar pelas cenas de fish out of water (Zosia mantém a mentalidade e conhecimentos de 2000 em 1987) e pelo eventual romantismo a extrair da tentativa de reconquista do (actual?) marido. Esse segundo aspecto não resulta de todo (ou então sou eu que sou um insensível) e mesmo o primeiro só tem duas ou três piadas dignas de nota. Talvez para um Polaco a coisa funcione melhor, mas eu não fiquei nada convencido com este trabalho do realizador Juliusz Machulski.

Indie Lisboa 2011: retrospectiva

2011-05-18T22:24:00.006+01:00

Cá estou eu! O Indie acabou e este blog está numa (merecida) semana (e picos) de férias.

O festival foi fixe, mas achei que em termos gerais foi o mais fraco, só vi dois filmes mesmo muito bons quando normalmente apanho uns 4 ou 5. Serei eu que estou mais exigente?

Digam-me de vossa justiça, qual o filme que mais gostaram? Qual a desilusão do festival? E logo depois, toca a ir festejar a grande vitória do Futebol Clube do Porto na Liga Europa!!!